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miércoles, agosto 29, 2012

Sterling by Music Man JP60 BK


John Petrucci Signature




El modelo signature del guitarrista de Dream Theater, presenta en esta versión, muchas de las cualidades que lo hacen una opción más que interesante a la hora de buscar un instrumento profesional, con un costo altamente aceptable.



En el año 2009, Ernie Ball/Music Man comenzó a ofrecer una nueva línea de instrumentos bajo el nombre de Sterling, quien es el hijo de Ernie Ball, fundador de la compañía e inventor de los encordados .008 y .009 para guitarra eléctrica. Si bien las Sterling by Music Man se construyen actualmente en Indonesia, todos y cada uno de los instrumentos son enviados luego a Orange County, California, para una inspección final. Los modelos de Sterling incluyen la Silo Series (Silhouette), el SB Series (Sterling Bass), el Ray Series (Stingray), la AX Series (Axis), y la JP Series (John Petrucci). Actualmente, esta última línea incluye tres modelos: JP50, JP60 y JP100.

El cuerpo de la guitarra es de aliso (basswood). Posee una sección rebajada en el frente, en donde apoya el antebrazo, otra en la parte superior trasera, y una terminación en negro metálico. En cuanto al hardware, incluye un switch metálico de tres posiciones, perillas tipo domo sobre los dos controles (volumen & tono), un puente flotante Sterling Modern Trem, y dos pickups de doble bobina Sterling de alta ganancia con imanes cerámicos.

El mango, que viene atornillado al cuerpo mediante cinco tornillos, es de maple con trastera de palisandro, con 24 trastes medium jumbo, e incrustaciones con formato de escudo. A la altura del primer traste, la incrustación es más grande, y presenta el logo con las iniciales del guitarrista de Dream Theater.
El clavijero es más reducido que el de la mayoría de las guitarras eléctricas, y trae clavijas con traba, con paletas tipo perlado, en una configuración 4 + 2. En el frente, que trae la misma terminación de color negro metálico que el cuerpo, se puede ver tanto la marca del instrumento como la firma de Petrucci. La guitarra incluye una funda acolchada, ¡pero acolchada de verdad!

Al tomarla por primera vez, la JP60 se siente como un instrumento bien sólido. Luego de inspeccionar tanto la unión del cuerpo con el mango como las terminaciones de los trastes, se puede comprobar que la Sterling ciertamente que posee un cuidado control de calidad, el cual se realiza en Orange County (EE.UU.). El mango posee un formato particular, ya que en su parte trasera es más bien aplanado, lo que lo hace extremadamente cómodo a la mano del ejecutante. La parte trasera del clavijero presenta una terminación brillante, la cual contrasta con la terminación satinada (satin polyester finish) del resto del mango.

Pasando al otro extremo del instrumento, y después de pegarle una buena sacudida, pudimos comprobar que el sistema de vibrato flotante, a pesar de no contar con ningún tipo de traba o morsa… ¡se la re-banca!
En cuanto a los humbuckers, los cuales están montados directamente sobre el cuerpo, tienen buena ganancia. Su tonalidad no es para nada chillona ni latosa, sino que ambos poseen buen cuerpo, y buena definición en el rango de los medios. En seteos distorsionados, sorprende su sustain, aunque quizás le falte llegar más arriba en el rango de las frecuencias agudas. Igualmente, por no ser pickups de marca, para mí se llevan un muy bien diez.

Como conclusión, y después de haber probado en reiteradas oportunidades esta JP60, nos encontramos con una guitarra que tiene cualidades profesionales, con un costo altamente aceptable. Tanto por su construcción como por la conformación de su diapasón, que responde al diseño personal de John Petrucci, como también por sus prestaciones en general, la Sterling by Music Man brilla por donde se la mire.


Marcelo Roascio
Importa y Distribuye: Slap SRL

lunes, agosto 27, 2012

VLC MEDIA PLAYER





VLC la plataforma de reproducción de medios mas completa, formatos de vídeo y audio ya no sera un  problema poder verlos o escucharlos, cuenta con un ecualizador de 10 bandas, filtros para simular recintos y un gran numero de herramientas el cual hace del reproductor VLC uno de los reproductores de medios mas completo y dinámico, y lo mejor de todo esto es de código libre, podrás descargarlo sin ningún costo, y  hacer uso de todas sus herramientas y opciones.

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El proyecto original de VideoLAN se inició como un proyecto académico en 1996, fue desarrollado como un cliente y servidor para transmitir videos en la red del campus universitario. Inicialmente fue desarrollado por estudiantes del École Centrale Paris, ahora es desarrollado por programadores de todo el planeta y es coordinado por la Organización sin ánimo de lucro VideoLAN.

Las siglas VLC solía usarse para referirse a VideoLAN Client, pero como VLC no es solamente un cliente, esta sigla ya no se usa.1 2 VLC es el cuarto programa más descargado en el sitio SourceForge.net.

Desde el año 2009 el proyecto VLC se separa del École Centrale Paris y se desarrolla de forma independiente por el proyecto VideoLAN.





Un proyecto y una organización sin fines de lucro, integrada por voluntarios, con el fin de desarrollar y promover de forma gratuitas, código abierto y soluciones multimedia.









jueves, agosto 23, 2012

Música gratis para todos!





Tienes una banda musical, y no sabes como hacer para poder difundir tu música; lo que cuenta en una banda es que tan original suenes, con las herramientas que te ofrece JAMENDO pronto estarás en voz de todos, podrás hacer propaganda sin necesidad de esas costosas campañas publicitarias, darte a conocer a nivel internacional sin mover a tu banda de aquel cómodo sofá que hay en el cuarto de ensayo, entra ya, registrate y disfruta todo los beneficios de pertenecer a la mas grande comunidad de músicos independientes.

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martes, agosto 14, 2012

Christian Howes: “Los seres humanos estamos hechos para crear”




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Marta Rojas

Photos: Nathan Harmon

Violinista de Ohio licenciado en filosofía con experiencia educativa en prisión: Christian Howes es un músico políglota que derrocha energía y serenidad a partes iguales a través de sus ojos azules. Educado en música clásica y tras rodar en algunas bandas de rock, el nominado “Violinista del año” por la Jazz Journalists Association supo ganarse rápidamente una buena reputación en los círculos de jazz de EEUU tocando con músicos como Randy Brecker, Steve Turre, Joel Harrison, D.D. Jackson, Greg Osby, Dafnis Prieto o el legendario Les Paul.
Su actitud ante la vida y ante la música es la misma: la sinceridad por encima de todo, y la creencia absoluta de que de cualquier persona, de cualquier sentimiento y de cualquier lugar se puede sacar música. Hasta de la cárcel, donde pasó algunos años por tontear con LSD, y donde aprendió, tras observar cómo la gente canta, hace percusión en una mesa e inventa letras de rap, que la música es “algo orgánico, innato al ser humano, que simplemente pasa”.
Y él, tras pasar 10 años en Nueva York y hacerse un hueco en la escena del jazz internacional, ha vuelto a Ohio para dedicarse a su familia, a la enseñanza y a la música en general. Profesor asociado en la Escuela de Música de Berklee, en 2003 fundó su Creative Strings Workshop (un taller creativo de instrumentos de cuerda), y hace cuatro meses nació la Creative Strings Academy, una academia online que atrae a estudiantes de todas las edades y de todas las partes del globo con inquietudes por mejorar en la improvisación musical. Improvisación y creatividad. Hablando muy lentamente, como si soltar palabras fuera mucho más costoso para él que expresarse a través de su violín, se entusiasma diciendo que quiere refundar la enseñanza de la música porque, en su cabeza, no solamente todas las personas pueden expresarse de manera musical, sino que todas deberían tener la oportunidad de hacerlo. Quizás eso evitase algún que otro problemilla mundial . O no. Pero sería bonito.

El rasgo que mejor define tus trabajos es la fusión. Además de tu formación clásica, ¿has tocado en bares, en clubes, en la calle…?
Empecé a estudiar violín cuando tenía cinco años. A los 16, la música que escuchaba era sobre todo rock, así que comencé a tocar la guitarra en bandas de rock con mis amigos. Más adelante probé un poco de soul, gospel y, sobre todo, jazz. El jazz suponía un reto mayor que los estilos anteriores, por lo que tiene de improvisación. Al final he acabado haciendo mezclas de jazz y música clásica, pero me expreso esencialmente en jazz.

Justamente, en tu música encontramos aspectos clásicos completamente renovados. ¿Qué piensan los más ortodoxos de tus brutales experimentaciones con el violín?
Hay muchos escepticismo alrededor de tocar el violín de manera no convencional. Siempre tuve la sensación de que tenía que demostrar algo. Pero a la gente le sorprende, y eso es algo bueno. Creo que el reto de cualquier artista es ser capaz de hacer algo original.

En tu música hay mucha pasión, mucha impulsividad. ¿Crees que esta fuerza que tienes tocando es más poderosa que el conocimiento del instrumento y de la técnica musical?
Creo que todos los factores son importantes. Conocer la armonía, tener vocabulario musical y una buena técnica es fundamental, así como manejar el instrumento y poder organizar tu música. La pasión sale de forma natural; la técnica requiere un mayor esfuerzo. Y no hay que olvidar el esfuerzo espiritual, que se traduce en vencer la inseguridad y mantener una pureza de espíritu mientras estás tocando. Hace falta valor para improvisar delante de una audiencia, pero para poder hacer cosas buenas hay que arriesgar.

Y sobre el conocimiento musical, ¿crees que podemos aprender de cualquier expresión artística, incluso de una pintura, o para saber música de verdad hay que hacerlo en un entorno exclusivamente musical?Ésta es una pregunta muy europea (risas). Creo que la música es muy similar a cualquier otro tipo de expresión artística, y también se parece mucho a la vida. Así que, en mi opinión, no sólo se puede aprender de cualquier tipo de arte, sino también de cualquier experiencia vital.

¿El talento es innato?
Hay un profesor japonés que afirma que todo el mundo es capaz de aprender música en una edad temprana. La mayoría de la gente nace más o menos con la misma cantidad de talento. Está probado que entre los dos y los seis años tenemos una habilidad especial para aprender lenguas, y la música es una lengua. La gente que empezó a tocar con esa edad puede llegar a ser excelente. Yo soy musicalmente bueno porque empecé muy joven y he querido continuar en la misma senda, siempre diversificando mis intereses musicales.

Componer y tocar música, ¿se hace para uno mismo?, ¿para los fans?, ¿para poder comer?
Hay tantas razones para tocar música… y creo que todo el que lo hace lo hace por una combinación de ellas. Yo quiero comer, me hace feliz tocar música y también satisfacer a la gente, el reconocimiento, la conexión con la audiencia… Es mágico el momento en el que el público y yo hablamos la misma lengua.

El guitarrista Jaco Abel, amigo y compañero tuyo, nos ha alabado mucho tu trabajo. ¿Te has atrevido tú también alguna vez con el flamenco?
Jaco es un genio. Y a mí me encanta Madrid, adoro España… El flamenco es algo que no se escucha apenas en EEEUU. Cuando lo escuché por primera vez me quedé absolutamente impresionado. Además de a Jaco Abel, conozco a Pablo Martín (contrabajista de flamenco jazz) y a otros compañeros… todos increíbles. Creo que la música española tiene un sonido muy diferente porque incorpora piezas de un puzle muy variado: flamenco, música latina, pop, sonidos tradicionales… No soy capaz de tocar flamenco pero estoy convencido de que, de alguna manera, ha tenido una influencia sobre mí. Algún día me gustaría aprenderlo; creo que debería mudarme a Sevilla durante una temporada para poder estudiarlo bien.

¿Qué es lo que más te fascina de la música?
Que no tiene límites. Siempre hay más cosas que aprender, nuevos retos… Independientemente de tu nivel, siempre se puede ir más allá, por eso es espiritualmente satisfactoria.

¿Dónde encuentras la inspiración?
A veces en mi familia, en mis hijos… Y también en las emociones: el amor, la ira, la alegría, la tristeza, la desesperación por hacer algo que guste… Todos los sentimientos pueden ser fuente de inspiración.

¿Qué buscas en una banda que te acompañe?
Que escuchen. Que tengan un buen bagaje y estén abiertos a diferentes posibilidades, pero, por encima de todo, que sepan escuchar.

En cuanto a tus álbumes, ¿dirías que hay en ellos una progresión?
Claro. Nunca dejamos de crecer, y yo siempre querré hacer cosas diferentes, así que creo que habrá aún más progresión en los próximos álbumes.

¿Y cuál es tu favorito?
Song for my daughter. Lo hice yo solo, rompiendo reglas (me encanta romper reglas).
También me gusta mucho Out of the blue.

¿Qué te llevó a lanzarte al proyecto de tu Creative Strings Academy?
Creo que la educación musical tiene que ser reformada. Es necesario que los niños y, en general, todos los que quieran comenzar en este mundo aprendan de todos los estilos, no sólo de la música clásica. Cuando estudias música clásica, no te invitan a crear, y los seres humanos estamos hechos para crear. La forma de aprender música ahora es demasiado funcional; a mí me gustaría cambiar eso. Creo que puedo ser un buen profesor. Además, forma parte de mi evolución personal: he hecho giras durante muchos años y ahora quiero un poco de seguridad en mi vida, estar con mi familia y alejarme un poco de la carretera. Empecé con este proyecto hace sólo cuatro meses y ya me siento agradecido. El sentimiento de saber que puedes enseñar algo es extremadamente satisfactorio.

¿Se puede vivir de la música sin prostituirse, siendo sincero?
Yo trato de hacer lo que quiero hacer, y de no ir en contra de mis principios, pero es cierto que es muy difícil mantenerse lejos de todo el engranaje comercial. Creo que, en ese sentido, EEUU es más “comercial” que Europa, quizás porque vivimos dos realidades diferentes: aquí no tenemos seguridad social ni educación pública, y para llevar a mi hija al colegio necesito ganar dinero. Es por eso que llevo varios proyectos en paralelo, para poder seguir siendo sincero.

¿Cuáles son tus proyectos actuales? ¿Estás colaborando con alguien?
En los próximos meses tengo previsto viajar para promocionar mi escuela. Próximamente estaré en España tocando (11 de noviembre en la sala Bogui de Madrid), haciendo alguna masterclass y enseñando directamente a grupos (para solicitar información, www.christianhowes.com ). También hay organizada una gira por Europa con Joel Harrison.

Creative Strings Academy: http://christianhowes.com/creative-strings-academy-free-trial/

Entrevistamos al maestro constructor de guitarras Taylor. La satisfacción del trabajo bien hecho.




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Carlota Alonso

Apuesta por la calidad, exigencia, cuidado de los detalles y construcción artesanal…Podría decirse que ésta es, en resumidas cuentas, la filosofía seguida por Guitarras Taylor. Una empresa que, desde su fundación en 1974, ha conseguido ganarse el respeto y la admiración de todo el mundo de la música, hasta el punto de contar con más de 800 tiendas en Norte América y una distribución internacional en 60 países. Pero todo esto no es casualidad, ya que afortunadamente hay veces en que el esfuerzo tiene su recompensa. De este modo, las guitarras diseñadas y fabricadas por Taylor se han convertido en sinónimo de buen gusto, artesanía y calidad. Comencemos un paseo por ese desconocido mundo de la construcción de instrumentos de la mano de Andy Powers, el maestro constructor de las Guitarras Taylor. Porque cada músico es único, cada guitarra debe ser única…

¿Cómo y cuándo se fundó la empresa de guitarras Taylor?, ¿cómo ha evolucionado la compañía?, ¿cuáles son sus rasgos más significativos?
La empresa fue fundada en 1974 por Bob Taylor y Kurt Listug, llegando a ser a día de hoy una de las empresas líderes en la construcción de guitarras acústicas, acústicas/eléctricas y guitarras eléctricas. Establecida en El Cajón, California, Taylor Guitars cuenta con más de 700 empleados y produce cientos de guitarras al día en sus dos complejos empresariales: uno en El Cajón, California, y otro en Tecate, Méjico.

Asimismo, la compañía mantiene una intensa actividad de exportación, ya que las guitarras Taylor están disponibles en más de 800 tiendas en Norte América y cuenta también con una distribución internacional en 60 países, incluyendo Los Países Bajos, país en el que se encuentra el almacén.

Las guitarras Taylor son mejor conocidas por ofrecer un uso innovador de las nuevas tecnologías de la mano de un maestro artesano que está atento en todo momento a cada detalle. Además, están consideradas como las guitarras más fáciles de tocar y que mejor suenan del mundo.

Cabe destacar que la compañía ha sido pionera en el uso de la tecnología por ordenador, láseres, y otras herramientas de alta tecnología, que hacen que Bob Taylor sea enormemente respetado y reconocido en el mundo de la industria musical e instrumental. Este ha sido definido como un visionario en lo que a la construcción de guitarras se refiere.

Como principal innovación de la compañía se incluye la New Technology ® (NT) de cuello, la primera y mejor innovación en la construcción de guitarras acústicas en los últimos 100 años. También cuenta con la mejora ExpressionSystem® (ES), ganadora de diversos premios. Taylor ha creado asimismo la T5, la primera guitarra verdaderamente híbrida acústica y eléctrica que puede producir tonos acústicos amplificados, crujidos eléctricos completos, conseguir sonidos de altos vuelos con sus cinco vías.

Además, las guitarras Taylor son las guitarras acústicas más vendidas en Estados Unidos.

Destacando la facilidad para ser tocadas, su acabado artesanal y su increíble estética, éstas son sólo algunas de las razones por las que muchos han elegido Taylor como su guitarra de cabecera. Asimismo, la lista de artistas que cuentan con las guitarras Taylor se sitúa en miles, incluyendo algunos como Dave Matthews, Biffy Clyro, Prince, Jason Mraz, Taylor Swift y Zac Brown, entre otros.

El sonido Taylor es característico. ¿Está concebido para un perfil concreto de guitarrista o estilo?
Las guitarras Taylor son consideradas por todos como guitarras modernas; el fundamento de nuestro sonido está basado en aquello que a Bob Taylor le gustaba escuchar en una guitarra. De este modo, los guitarristas a menudo notan en las guitarras Taylor un balance y claridad distintivos. Estos atributos han sido el resultado de un laborioso trabajo artesanal en respuesta a los deseos de los guitarristas. Como constructor de guitarra, estoy interesado en conseguir todas las cualidades que hacen único a un instrumento musical: Sustain, balance, volumen, proyección, claridad, etc. Cada músico necesita estas características para conseguir su preferencia sonora. En vez de construir instrumentos dirigidos a un guitarrista específico, nos gusta construir una variedad de instrumentos y que cada uno de ellos ofrezca una calidad tonal única para los diversos tipos de guitarristas.

Dentro de la familia de acústicas de la marca, ¿existen grandes diferencias en cuanto a cualidades sonoras o características tímbricas entre unos y otros modelos? ¿Encontraremos propuestas para diferentes tipos de músicos?
Desde el principio, un músico encontrará dos variables que le ofrecerán sonoridades individuales. La forma y madera con la que se hace la guitarra, afectarán totalmente a la forma en que el instrumento responde. Nuestra forma ‘gran sinfonía’ ofrecerá una respuesta cálida y amplia en su registro más bajo, mientras que una forma ‘gran concierto’ ofrecerá un bello y claro balance en los agudos. Queremos que nuestras guitarras tengan una excelente personalidad individual con diferentes diseños y combinaciones de madera.

Cuál es la característica que piensa que hace destacar a Taylor sobre sus competidoras? (estabilidad, afinación, octavación, tono, sustain, volumen, empaste entre sus cuerdas, tono…)
Para mí, son las características a la hora de tocar: Un cuello que es consistente y ajustable, con un excelente calado y un sistema que facilita tocar, es muy importante. Como guitarrista, yo no querría tocar una guitarra cuyo sonido no me gustase. Ambas áreas principales necesitan ser excelentes. Considero que la guitarra necesita sonar psicológicamente bien, en orden con el sonido que se escuchará. Este es uno de los mayores fuertes de nuestras guitarras. Nuestros cuellos están hechos de forma muy cuidadosa y tienen la mayor atención en su diseño, de tal forma que cada uno de ellos es excepcionalmente estable y consistente.

¿En qué medida cree que afectan las cuerdas en el sonido de una buena acústica? Y, ¿qué recomendaciones ofrecen en este sentido en cuanto a materiales y calibres más adecuados para sus guitarras?
Las cuerdas que un guitarrista elige tienen gran importancia. De esta forma, las cuerdas pueden colorear el sonido de cada guitarra de una forma única. Nosotros usamos las cuerdas Elixir en nuestras guitarras cuando las hacemos y cabe destacar, que nos gustan mucho. Con la gran variedad de marcas de cuerdas que existen, yo recomiendo que los guitarristas experimenten por sí mismos y encuentren el estilo que mejor encaje con el sonido que quieren obtener.

¿Qué maderas son sus predilectas y cuáles son los tratamientos de secado o químicos que les procuran?
Como constructor de guitarras y guitarrista de diversos estilos de música, simplemente no puedo elegir una madera que considere mi favorita. Para ciertos sonidos, me encanta la caoba. Para algunas guitarras, me gusta más palo de rosa. Cuando toco en una banda, a menudo aprecio la claridad de la madera de arce. Nosotros somos muy particulares escogiendo nuestras maderas, ya que es una elección muy importante para hacer un instrumento de calidad. Por otro lado, no usamos tratamientos químicos, pero tenemos esquemas muy detallados y estrictos a la hora de colocar cada material en su sitio, antes y durante el proceso. Por ejemplo, nuestras cejillas de ébano se secan durante numerosos pasos que duran muchas semanas. Después de que la madera se ha secado correctamente, se puede aclimatar el ébano después de cada corte durante el proceso de construcción, para asegurar así su comportamiento y resultado de una forma consistente.

En cuanto a construcción, ¿podría desvelarnos alguno de los secretos de Taylor?
Aunque podría escribir un libro entero con los detalles de nuestra construcción, nuestro principal secreto es que nos esforzamos por conseguir unos instrumentos con una calidad y consistencia excepcionales. Queremos que cada instrumento sea genial. Para conseguir esto, diseñamos máquinas, procesos de asimilación, recipientes para conservar las maderas, métodos de construcción, etc. Todo ello, para construir instrumentos de máxima calidad. Queremos que cada pieza de madera sea única para contribuir individualmente al acabado del instrumento, de tal forma que cada pieza encaje perfectamente.

En qué escala de precios se encuentran posicionados los productos de su compañía? ¿Compiten en varios escalones del mercado? (gama alta, gama media, gama asequible)
Las guitarras Taylor varían en precios, empezando desde nuestras Taylors de iniciación que cuestan unos 319 euros, hasta mucho más. El cielo es el límite: Cualquier guitarrista puede soñar con hacerse con una Custom Build.

Dentro de sus productos, ¿hay instrumentos más adecuados para ritmo o acompañamiento, y otros para melodías?
Como cada guitarra necesita ser versátil, muchos guitarristas estarán a favor de diseños específicos para determinados estilos. Una guitarra ‘gran sinfonía’ con su poderoso sonido grave, responde de manera excelente ante ritmos rasgados. Una guitarra ‘gran concierto’ cuadra con otro tipo de estilo por su arreglo para los dedos, debido a su balance inherente. Me gustan los guitarristas que prueban muchas guitarras de diferentes diseños y combinaciones de maderas para encontrar aquélla que mejor encaja en su estilo.

¿Por qué cree que un guitarrista debería comprar una Taylor, en lugar de otra marca de acústica?
Yo siento que los instrumentos que hacemos son increíblemente útiles como herramientas para los músicos. Estas son guitarras en las que el guitarrista puede notar su alta calidad para las actuaciones sólidas y mostrar sus habilidades en distintos estilos.

¿Su compañía prioriza más el diseño, las materias primas, la construcción artesanal (en la medida de lo posible), el precio, la calidad final, el servicio de postventa…?
Nuestro deseo es construir un instrumento de calidad excepcional que pueda ser puesto en las manos de los guitarristas, de tal forma que puedan salir al mundo y disfrutar haciendo música, su arte.

¿Qué consejos daría a nuestros lectores, a la hora de encontrar la guitarra acústica más idónea a sus necesidades y gustos?
Yo recomiendo visitar tiendas y probar una gran variedad de guitarras. Probar diferentes tamaños y combinaciones de maderas. A menudo, un guitarrista tendrá más o menos idea de la guitarra que necesita. Sin embargo, pueden encontrar un modelo que no hubiesen considerado a priori, pero que tras probarlo les satisfaga. Me gusta cuando un guitarrista se sienta y toca, probando todas las guitarras, apreciando las diferencias y finalmente selecciona aquélla que mejor encaja con su manera de hacer música.


Sueña tu guitarra y hazla realidad…Con Taylor, el límite es el cielo.


16/07/2012 

viernes, agosto 10, 2012

¿Tu guitarra produce ruidos molestos? Esto tiene solucion

 A cuantos nos ha pasado que al momento de conectar nuestra guitarra se producen unos molestos ruidos incomodos, y que decir cuando conectamos un distorsionador a todo este asunto, nuestro problema se multiplica, y empezamos a echarle la culpa a todo.

Déjame decirte que muchas veces exageramos el problema cuando en realidad con unos simples pasos puedes corregir gran parte de este.

ORIGEN

Uno de los principales problemas que ocasionan dichos ruidos es la falta de conexión a tierra o conexión a chasis( falso o conexión nula), el cual está siendo muy pobre o nulo; hace algunos cuantos días me encontré con una guitarra electroacústica, la cual al conectarla a la mesa de mezcla producía un ruido impresionante, verificando todo  los componentes externos, logre identificar que al momento de hacer contacto o tocar cualquier parte de la conexión canon dicho ruido se eliminaba por completo, debido a falta de tiempo y a que el evento estaba encima, realice una pequeña corrección que a muchos sé que les servirá en lo que consiguen arreglar el problema.


La guitarra que tenemos cuenta con 2 entradas para conexión, una canon y una entrada de plug, por lo regular usamos la conexión canon (BAJA IMPEDANCIA) para conectarla a la mesa de mezclas, adicionalmente tome un cable plug-plug el cual conecte adicionalmente a la entrada de plug, y dicho cable lo acerque hacia mi cuerpo y con eso logre eliminar por completo el ruido que producía.

Nota: esta solución es únicamente temporal, por lo cual posteriormente se deberá realizar las verificaciones y correcciones necesarias.
           


Fig. 01



A continuación les enlistare cada uno de los puntos a revisar en caso de tener un problema de este tipo.


CORRECCIÓN

01.- muchas veces la causa es debido a daños en los plug del cable de conexión del instrumento o daño en el cable, deberás de verificar cada una de las puntas, checa estas de la siguiente manera, agarra firmemente el plug, y trata de girar la punta de este, si gira libremente, esto significa que el remache interno del plug ya se dañó, por lo cual deberás sustituir el Plug, o si mejor lo prefieres, el cable entero.



02.- ya una vez descartado el daño en  los plugs, deberás verificar la continuidad del cable, esto se realiza con un multímetro, o si no cuentas con uno, podrás realizarlo de la manera improvisada, con un pequeño foco y una pila de 9 volts, de acuerdo a la imagen que a continuación te muestro Fig.02
 Fig. 02


03.- Si al realizar el paso 01 y 02 verificas que los elementos están en buenas condiciones, entonces pasamos al siguiente paso el cual consiste en realizar una limpieza a conciencia a cada una de las terminales de conexión, tanto a cada plug como cada Jack que tenga contacto con los cables de conexión de nuestra guitarra, necesitaras el siguiente material para realizar el mantenimiento.

  • DW 40 o algún dieléctrico
  • Aire comprimido· Trapo limpio
  • Desarmador de estrella pequeño (para desarmar el Jack de la guitarra y poder limpiar correctamente)
  • Pinza de punta
  • Estaño
  • Soldadura
  • Pasta fundente
  • voltimetro

Limpia minuciosamente cada parte de conexión y aplica el dieléctrico de manera consiente a cada una de las partes de conexión (no exageres); necesitaras desmontar el Jack de la guitarra para poder realizar una correcta limpieza, si dicha parte está demasiado dañada (corroída) deberás de sustituirla, ojo antes de tomar esta decisión verifica bien que esta pieza pueda ser reutilizada, ya que en las mayorías de ocasiones no se consigue un Jack de buena calidad (Cobre/bronce).
Una vez realizada la correcta limpieza de cada parte de conexión, estás listo para disfrutar de un sonido sin ruidos extraños.


4.- Los ruidos producidos por utilización de un distorsionador son normales, recordemos que estos pedales lo que hacen es amplificar y saturar una señal, pero hay elementos que te ayudan a eliminar por completo este ruido, y se les conoce como Noise Reduction, o en su caso existe un aditamento que se conoce como puertas de ruido, la cual configuras según el parámetro requerido, en el cual únicamente te reproduce o deja pasar la señal de ciertos decibeles.


Espero que estas líneas sean de utilidad y te haya podido ayudar a corregir un problema simple que en muchas ocasiones es de gran importancia a la hora de una presentación en vivo; más adelante les hare llegar una pequeña maqueta para que ustedes puedan construir sus propios reductores de ruidos con materiales fáciles de adquirir en el mercado.

Reciban un fraternal saludo,  y un apretón de manos de su servidor y amigo JICAMA.

martes, agosto 07, 2012

TALK BOX (CONSTRUYE DE FORMA SIMPLE)



En diversas ocasiones por falta de información, no conocemos los principios y funcionamientos de mucho de los efectos que con un poco de ingenio podemos disponer de ellos de manera fácil.
A continuación les dejo una pequeña reseña, así como un tutorial para la fabricación de un talkbox, espero les sea de utilidad (stalin_77@hotmail.com)

Un talk box (o talkbox) es un dispositivo de efectos de sonido que permite a su usuario modificar el sonido que tiene un instrumento musical cambiando la forma de la boca. Este efecto puede usarse para cambiar la frecuencia del sonido y para aplicar sonidos vocales (como canciones) a un instrumento musical, como a la guitarra o al teclado. 

Un talk box se compone de un pedal de efectos que se apoya en el suelo y que adjunta un altavoz conectado a un tubo de plástico. La caja permite conectar una salida de altavoz de un amplificador, y a la vez un altavoz como el de cualquier instrumento. Un interruptor maniobrable con el pie permite dirigir el sonido al altavoz del talk box o al altavoz normal. El otro extremo del tubo está conexionado a un micrófono, para dirigir el sonido cerca o dentro de la boca del artista. 

Cuando está activado, el sonido del amplificador se reproduce mediante el altavoz del talk box, y dirigido a lo largo del tubo hasta dentro de la boca del artista. La forma en la que pone el artista la boca, filtra el sonido, y el micrófono recoge el sonido. La forma de la boca cambia el contenido armónico del sonido de la misma manera que afecta al sonido generado por las cuerdas vocales al hablar. El artista varía la forma de la boca y la posición de la lengua, cambiando el sonido del instrumento que se está reproduciendo por el altavoz del talkbox. También, si el artista vocaliza palabras, parecerá que el instrumento habla. Este sonido deformado sale de la boca del artista, y cuando entra en el micrófono, se oye una mezcla entre su voz y la voz generada. 

El sonido puede ser de cualquier instrumento musical, pero se suele usar la guitarra, porque cuando los armónicos de una guitarra eléctrica se moldean con la boca, producen un sonido muy similar a la voz humana, haciendo que la guitarra parezca que "habla". 

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Talk_box


Construcción de un Talk Box+

Un proyecto de Miguel Cejas


Hola, amigos guitarristas hispanoparlantes. He aquí, por fin, la traducción al español de mi artículo de la página del Talk-Box de J.D. Sleep que describe la construcción de un talkbox para guitarra. Este texto describe como he fabricado mi talkbox y algunos consejos para que puedas construir el tuyo con toda facilidad y garantías de buen funcionamiento. Para resolver cualquier duda, escríbeme y te responderé gustosamente. 

Descripción

Un talkbox es un altavoz encerrado en una caja hermética que tiene sólo un agujero por el que sale el sonido (potencia) de un amplificador de guitarra. 

Este sonido se canaliza a través de una manguera o tubo flexible y se introduce en la cavidad bucal del guitarrista, que modula moviendo su boca y aplica el sonido de guitarra con la envolvente vocal y lo aplica a un micrófono y a un equipo de P.A. El resultado es un sonido de guitarra parlante, modulada con la boca. No es un vocoder, es un “modelador físico acústico” del sonido de la guitarra. Visita página del Talk-Box de J.D. Sleep (http://www.generalguitargadgets.com/talkbox.html ) para obtener más información sobre la teoría de funcionamiento. 

Peculiaridades del diseño

Normalmente, el efecto va metido en una caja, donde se aloja el altavoz (con su manguera, los conectores de entrada y salida para el amplificador y el altavoz asociado (el altavoz del amplificador) y un conmutador de efecto on / efecto off. En mi proyecto lo he hecho de manera diferente. He incluido el "driver" y la manguera dentro del amplificador: 



El "driver" en su alojamiento.





y la caja solo contiene el conmutador. Las ventajas son obvias. Con todo el equipo montado dentro de un pequeño combo, la unidad completa es más fácil de transportar y además las conexiones están hechas permanentemente, con lo que no tenemos que preocuparnos de esa cantidad de jacks y cables en el escenario. Solo desenrollar el cable y la manguera y comenzar a tocar.



Todo queda muy compacto y fácil de transportar.


La filosofía de diseño también ha sido concebida de una forma reversible. En cualquier momento podemos desinstalar el talkbox de nuestro amplificador en cuestión de cinco minutos, con sólo un destornillador y habremos dejado el equipo en su estado original. No hay ninguna modificación permanente.

Instrucciones de fabricación


Los materiales empleados son normalmente fáciles de conseguir. Primero hay que buscar un "driver" apropiado, que en mi caso es uno de los que se emplean en bocinas de megafonía, (sí, para vender pescado en la calle o para anunciar un candidato a elecciones desde un coche) de 50 W, 16 Ohms, para un amplificador de unos 20 o 40 W RMS a 8 o 4 Ohms, preferiblemente a transistores y dedicado en exclusiva a usarse con el Talkbox. Deja tu Marshall a válvulas para usarlo con tu guitarra y el resto de tu cadena de efectos.





No recomiendo "drivers" de menos potencia. Si una bobina se quema, es probable que la etapa final de tu ampli acabe frita. No es mala idea calcular un fusible y colocarlo en serie con el "driver" (si el ampli es a transistores, si es a válvulas ni se te ocurra).

Bueno, después viene el trabajo de acoplar la salida del "driver" a la manguera. Esto es lo mas difícil en la práctica. Yo he usado racores roscados de acople y de reducción de latón macizo, para ir acoplando hasta conseguir el diámetro de la manguera. Tuve que recorrerme muchas tiendas de fontanería, suministros navales, ferreterías, tiendas de frenos hidráulicos y demás para encontrar todos los materiales. Aún así, tuve que rectificar en un torno la pieza que acopla directamente al "driver", para que el ajuste fuese hermético y perfecto. Si el ajuste es algo holgado, se puede usar junta plástica o cemento para juntas de motores. Hermetite, Nural 28 o Krafft son buenos productos selladores. La pieza acodada en 90 grados es opcional. Si hay espacio suficiente para sacar la manguera recta, mejor. Con unas escuadras, fijaremos el "driver" a un lateral interior del amplificador y conectamos la manguera.


El muelle helicoidal que envuelve a la manguera en su parte más próxima al "driver" sirve para que ésta no se doble y obstruya el paso del sonido. Es un elemento importante. 



El diámetro de la manguera es también una cuestión de gustos. Cuanto más gruesa, más sonido llegará a nuestra boca, pero será un poco más complicado vocalizar y modular. 



Los elementos de latón macizo hacen de este equipo un aparato resistente y fiable, incluso en las duras condiciones de una gira o tour de una banda. Hasta aquí, ya tenemos realizada la parte mecánico-neumática-acústica de nuestro mágico efecto. Todo un reto. 



Las conexiones y la parte eléctrica son bien sencillas. Un conmutador de dos posiciones y un solo circuito (SPDT) conmuta alternativamente entre el altavoz del ampli y el "driver". He usado la caja vacía de un viejo pedal fallecido hace tiempo para alojar simplemente el conmutador y el cable de tres conductores de 1,5mm. Usando terminales "fast-on" apropiados y las longitudes correctas en los cables en la otra punta, (esto depende de cada amplificador), la instalación y desinstalación de este efecto no necesita apenas de herramientas. 



A veces es recomendable el uso de un condensador de filtro que elimine las frecuencias graves que llegan al "driver". Uno de 15 uF del tipo no polar, de los usados en los crossovers de altavoces será perfecto. Para más detalles, busca la página del Talk-Box de J.D. Sleep, allí se describe con todo lujo de detalles la construcción genérica de estos aparatos, incluyendo proyectos de otras personas, descripciones, cableados, precauciones, etc. También encontrarás una versión en Inglés de este proyecto. 

Pues aquí están las ideas básicas para la construcción de un versátil y flexible efecto de guitarra, original y distinto a la mayor parte de los efectos electrónicos que hay por ahí. Su expresividad es extraordinaria. Constrúyete uno y disfruta tocando y diciendo cosas. Hazle fotos a tu equipo y envíamelas. Salud desde las Islas Canarias. 

Miguel Cejas

Fuente: http://www.pisotones.com/TalkBox/TalkBox.htm

lunes, agosto 06, 2012

El amplificador de guitarrra






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Todo lo que debes saber sobre tu ampli




Lo básico


Como todos ya sabéis la guitarra eléctrica depende del amplificador para la escucha de su sonido, generando éste potencia a la señal emitida por las pastillas de la misma. La señal producida por la vibración de las cuerdas y a través del bobinado de las pastillas es insuficiente para hacer sonar un altavoz. Por tanto requeriremos del amplificador y el altavoz para escuchar el sonido del instrumento.

De modo básico explicar que el ampli debe tomar energía eléctrica del exterior, vía red eléctrica (o pilas en caso de "babys" o amplis de pequeña escala y potencia). Del mismo modo el amplificador nos permitirá (prácticamente en el 100% de los casos) controlar la ecualización y dependiendo del modelo o sus características en particular, la ganancia, efectos y otros añadidos que pueda presentar.



¿Alta fidelidad o saturación?


Un amplificador puede estar diseñado para reproducir fielmente la señal de entrada. Es decir, reproducir de forma fiel y estricta la señal que le hacemos llegar mediante la guitarra u otra fuente. Este tipo de amplificación, pensando en guitarra, podría ser adecuada para amplificar guitarras acústicas o clásicas por su claridad y nitidez. En el caso del "guitarreo" eléctrico es más frecuente y recomendable el uso de la amplificación diseñada para enriquecer los armónicos, ganancia y calidez de la señal que, originariamente, enviamos al aparato a través de nuestro jack (que sale de la guitarra).



Combo versus cabezal + recinto


Una vez expuesta la necesidad de disponer del amplificador y el /los altavoz /es, nos encontramos con dos tipos básicos



a) Amplificador combo. Es aquél que cuenta, dentro de una misma armadura (estructura), con la parte electrónica de amplificación y el altavoz. Los combos suelen estar provistos de un asa en la parte superior, son más manejables, fáciles de transportar y por norma general son más pequeños (en dimensiones y potencia) , aunque existen grandes monstruos en formato combo. No sería exacto afirmar que en combo nos encontraremos gama baja o media, pues este tipo de arquitectura de amplificación cuenta con grandes "joyas", legendarios amplificadores de gama alta y calidad absolutamente profesional. Concluyendo en que se trata de una herramienta manejable (unos más que otros) para estudio y directo.

b) Cabezal + Recinto. Como puedes suponer, en esta ocasión nos encontraremos con dos bloques. El primero será el cabezal, dispositivo que amplifica, y el segundo, el recinto: estructura que albergará varios altavoces. Es fácil pensar que la mayoría de amplificadores de gama alta y extra/alta disponen de este formato. Contar con dos bloques "amplificación + altavoces" nos permite una mayor flexibilidad, ya que podremos seleccionar exactamente el cabezal, con las características exactas que personalmente buscamos. De forma independiente, elegiremos el recinto con el formato, dimensiones y tipo de altavoces exactos por los que queremos hacer sonar la señal de nuestro cabezal.

Por norma general, este tipo de amplificador es más pesado y voluminoso. Del mismo modo (siempre en general) nos encontraremos con artefactos "diabólicos" en cuanto a potencia y más difíciles de transportar. El sueño de cualquier guitarrista cañero: un ampli casi del mismo tamaño que él. Concluimos en su preferente papel como elemento de directo con gran potencia.



Válvulas o transistores


Saltándonos los tecnicismos propongo una comparación general entre los amplis de válvulas y los de transistores.

Cuando un amplificador de válvulas funciona a gran volumen escucharemos la saturación característica de la válvula. Obtenemos un sonido más cálido y rico, una sensación más placentera de poderío, mayores armónicos (pares) y ataque grueso. Por el contrario la amplificación de transistores , en saturación, emite armónicos fundamentalmente impares. El resultado es una saturación más artificial y "desagradable" para el oído, menos calidez y la pérdida del característico sonido original de la válvula.

Hay que decir que la tecnología avanza a pasos agigantados y por tanto, los amplificadores de transistores han conseguido ir subiendo peldaños de forma progresiva. La simulación de amplificación esta totalmente al día, con lo cual muchos amplificadores de transistores ofrecen hoy en día una potente selección de simulaciones, consiguiendo emular las válvulas, tipo de amplificación y recinto, no sólo de un ampli sino de varios, para que puedas elegir el tipo de amplificador (simulado) que te va mejor para cada pieza a interpretar.



Finalmente concluyo en que hay amplificadores de transistores bastante aceptables, incluso recomendables si tu sonido no está aún perfectamente definido. Es decir, el hecho de disponer de diversas simulaciones, te genera versatilidad y poder "saltar de un amplificador a otro en cada momento". No obstante, y como guitarrista (opinión personal) añadiría que no hay nada como un buen sonido de válvulas.



Compatibilidad de altavoces y amplificadores


Los amplificadores de válvulas deben corresponderse milimétricamente con la impedancia de los altavoces. Un ampli de válvulas no debe ser nunca conectado sin estar previamente enchufado a un altavoz, pues puede sufrir graves daños (tanto en el transformador como en las válvulas).

Por su parte los amplis de transistores son menos exigentes y más inmunes ante cortocircuitos y a los circuitos abiertos en la salida de altavoces. Si utilizamos en este caso altavoces de impedancia superior reduciremos el nivel de salida y seguramente la distorsión. Generalmente el amplificador de transistores refleja una leyenda con la impedancia mínima que va a ser la que genere la máxima salida y distorsión adecuada.



Canales y accesorios


Los amplificadores más antiguos solían traer dos entradas para guitarra diferenciadas por sus señales hight y low. Los amplificadores modernos (en general) suelen disponer de dos o más canales y presentan más prestaciones. Por ejemplo y a modo estándar, podemos encontrar un canal "clean" o limpio, específicamente diseñado para emitir los sonidos más cristalinos y limpios y otro canal "drive" o saturado que nos proporcionará la caña de la ganacia. Estos canales llevarán (dependiendo de los casos) ecualización independiente , ganancia independiente (quizá el limpio no lo lleve) etc... De este modo podremos pasar de un canal a otro (muy posiblemente mediante un foot switch / pedal) alternando sonidos cañeros con los tranquilos cuando pasamos de un canal a otro.

En cuanto al material añadido a nuestro amplificador, podemos encontrarnos desde un afinador electrónico incorporado, una unidad de multiefectos (chorus, wah, flanger, delays, compresores etc..), pre-amplificadores, opciones de conexión midi, simuladores de amplificación a válvulas, simulaciones de recinto y altavoces, conexiones de pedal de cambio de canal o pedaleras completas que controlen también las unidades de efecto, salidas para recintos opcionales (mono o estéreo), entradas para amplificar fuentes externas como un reproductor de CD u otros.



Resumen y conclusiones finales para el que se inicia


La oferta es tan grande que, buscando bien, podríamos encontrar diferentes amplificadores (en tipo) que fueran adecuados. En líneas generales creo que un ampli de transistores con buenas simulaciones podría ser más fácil para comenzar, incluso en etapas "medias" del músico. Otra opción sería contar con un amplificador de transistores y un multiefecto con simulaciones de amplificación y recinto. Estas posibilidades pueden brindar una compra más económica y cierta versatilidad para aprender a identificar los sonidos que más nos gustan, de modo que estemos más seguros del tipo de ampli a comprar en nuestro segundo paso. Finalmente concluir en que después de probar muchos amplificadores, no hay nada como un buen ampli de válvulas al que añadir nuestros efectos (alguno o ninguno) preferidos. Personalmente creo que es mejor encontrar un sonido personal y característico, poco y bueno (tanto en amplificación como en efectos). Obviamente habrá guitarristas con opiniones contrarias, hay gustos para todo.

La opción, Un ampli de válvulas o una excelente unidad de efectos con simulaciones realistas de amplificación (que nos facilitaría tocar por línea, con cascos sin perder calidad y a volúmenes más moderados, si tocas por ejemplo en casa o estudio).



Transistores


  • Más barato 
  • Más resistente 
  • Menos cuidados 
  • Mayor versatilidad 
  • Peor calidad sonido 
  • No requiere calentamiento 
  • Saturaciones más falseadas

Válvulas

  • Más caro 
  • Más delicado 
  • Más cuidados y sustitución de válvulas por desgaste 
  • Sonido más característico 
  • Mejor calidad de sonido 
  • Requiere calentamiento de válvulas 
  • Saturaciones y ganancia más cálidad 


Link de referencia:
 http://www.ispmusica.com/articulo.asp?id=203

domingo, agosto 05, 2012

¿Nuevo disco de The Stone Roses en 2013?


The Stone Roses nuevo disco

Si alguien sabe acerca de The Stone Roses es John Robb. El músico escribió una biografía de la banda de Mánchester hace unos cuantos ayeres y ahora reveló que los Roses se encuentran preparando no sólo uno, sino dos discos de estudio que podrían estrenarse próximamente.

Según Robb, los Stone Roses comenzaron a escribir “canciones de pop psicodélicas” sin Reni para después mandárselas y tratar de convecerlo de reunirse con sus bandmates. Reni quedó impresionado con los nuevos temas y aceptó, el resto es historia. Robb también dio a conocer que la banda firmó un contrato por dos discos y que el primero podría llegar en 2013, justo en tiempo de festivales. ¿Veremos a The Stone Roses en Coachella? ¿En México? ¿Le creemos a John Robb?




link de referencia: http://www.sopitas.com/site/171089-nuevo-disco-de-the-stone-roses-en-2013/

Timo Tolkki cancela su proyecto con PledgeMusic.


El guitarrista finlandés cancela el proyecto inicial para involucrar su nuevo material en otro proyecto más ambicioso.

Timo TolkiiEl ex-guitarrista de bandas como STRATOVARIUS, REVOLUTION RENAISSANCE o SYMFONIA Timo Tolkki, que recientemente lanzó una campaña en PledgeMusic.com para dar soporte a su cuarto álbum en solitario, "Classical Variations 2: Credo", ha publicado la siguiente actualización:

"Cuando estaba trabajando en el nuevo álbum "Credo", comencé a conversar con muchos amigos del negocio de la música para intercambiar ideas creativas. 

Muchos músicos y personas con las que hablé quedaron impresionadas con la forma con que se desenvolvía el material. Eso me puso en contacto con algunas personas que me ofrecieron una situación mucho mejor, tanto artística como personal. Por eso, esta nueva e increíble oportunidad que tengo no es compatible con el proyecto PledgeMisic que inicié con vosotros.

Considerando que estoy buscando un camino más interesante y un excitante proyecto que definitivamente os hará más felices, queridos amigos y fans, he decidido cancelar el trabajo hecho hasta ahora con el álbum "Credo". Se contactará con todos y se os reembolsará el valor de la señal que recibí. En caso de dudas, por favor, contacten con PledgeMusic.

De nuevo, no hay razón para estar desanimados, oiréis y veréis dentro de muy poco (probablemente en el primer bimestre de 2013) el resultado de lo que está ocurriendo en bastidores.

No es necesario decir, que este es un periodo excitante y creativo en mi vida y que ha sido muy estimulante ver que continuáis dando soporte a mi música y a mi trabajo.

Por favor, sabed que esto es importante para mí y que me ha dado fuerzas para crear y mirar hacia un futuro más brillante y emocionante. Seguid atentos a más novedades en breve".

link de referencia: http://www.metaltotal.com/noticias/4359.timo-tolkki-cancela-su-proyecto-con-pledgemusic.html

El vocalista de LAMB OF GOD es liberado.




A la espera de juicio y tras pagar la fianza, Randy Blythe, vocalista de LAMB OF GOD, fue liberado ayer por la tarde y la banda vuelve a los escenarios.

Lamb of God 2008Un portavoz de la prisión checa donde el vocalista de LAMB OF GOD, Randy Blythe estaba recluido, ha confirmado que ha sido liberado ayer por la tarde. La decisión del tribunal de Praga contra el procurador del Tribunal del Octavo Distrito de Praga fue hecha ayer jueves por la tarde a puerta cerrada.

"La decisión se alcanzó ayer al final de una sesión cerrada de 16 horas. La única condición de la liberación fue el pago de la fianza de cerca de 8 millones de coronas checas (cerca de 400 mil dólares americanos)" afirma Martina Lhotáková, portavoz del Tribunal de Praga.

Martin Radvan, abogado checo de Randy Blythe, afirmó a la radio de Praga, que espera que el vocalista de LAMB OF GOD pueda volver a casa, aunque tendrá que regresar a la República Checa para enfrentarse al juicio. "Eso es lo que él quiere hacer. Como artista de renombre mundial, en un género específico de música, lógicamente no puede darse el lujo de simplemente desaparecer. Hay carteles con su imagen en todo el mundo, y si quiere continuar dando conciertos, tendrá que volver. Además él quiere volver porque cree que no es culpable de nada de lo que se le ha acusado".

Según informaciones de Blabbermouth, el vocalista ya cogió un vuelo a Nueva York y es esperado en suelo americano esta tarde.

Por su parte, y tras la confirmación de la noticia, el batería Chris Adler ha confirmado en su página de Facebook que LAMB OF GOD participarán en el festival organizado pro SLIPKNOT, el Knotfest, el próximo 17 de agosto en Iowa y el 18 en Wisconsin. Además, el próximo 26 de octubre se dará inicio a la gira americana.


sábado, agosto 04, 2012

Como consolidar una agrupación musical


Agrupación Musical.



I. CAN


Que es una  agrupación musical?: 


Es la integración de 2 o más personas con un mismo fin el cual es hacer o producir música.

Desde mi perspectiva considero que una agrupación es como una segunda familia, en la cual encontraras todo tipo de ánimos, en ocasiones todo será una fiesta pero en muchos casos es un poco engorroso llevar un ensayo con  los ánimos de la mayoría por los suelos.

Para ello te tengo unos pequeños tip´s los cuales sé que te servirán para poder llevar una sana relación con cada uno de los integrantes de tu banda.


Representante o director de la banda.


Es muy importante que se tenga bien definido quién es la cabeza de la banda, ya que dé hay depende mucho el orden y la seriedad que se le dé al proyecto, en ocasiones cuando es una agrupación espontanea, se deberá dejar a decisión unánime, pero cuando es una banda hecha a base de convocatorias, creo que el liderazgo queda bastante claro que la persona que ha realizado la convocatoria es la representante de la banda.


Ideas y propuestas Musicales.


Es necesario dejar definido el giro o rubro de la banda, cuáles son sus pretensiones, y que género musical desean desarrollar, para esto se requiere que cada uno de los integrantes se comprometa con el propósito común de la banda, deberá quedar claro cuáles son los objetivos a corto y largo plazo y cuales serían los métodos a utilizar para alcanzarlos.

Cuando hablamos de ideas, por lo regular ahí es donde se desencadenan las disputas, es muy importante que las o la persona que este a la cabeza tenga muy claro y definido cada una de sus pretensiones, siendo esto, por ningún motivo dejes a discusión el propósito y objetivo de la banda, suena un poco impositivo pero al inicio de un proyecto es necesario, para poder dar un orden al asunto, ten en cuenta que el propósito no debe de estar peleada con la creatividad grupal, deberás evaluar las ideas que te sean presentadas, y descartar las que no encajen con la idea original o en su defecto adaptar la idea sin alterar las bases del proyecto.

Es muy importante que al llegar al ensayo el líder o director  de la banda lleve consigo el tema a ejecutar o las bases sobre el cual se estará trabajando en caso de ser una nueva composición, para esto se deberá de trabajar previamente de manera individual o con ayuda de algún integrante de la banda, en los cimientos de las canciones, y cuáles serían los posibles arreglos que se necesitaran para el resto de los instrumentos, es importante tener bien en claro cómo quieres que suene la rola, para evitar desvirtuar los patrones de la misma conforme se va desarrollando el ensayo.

Instrumentos Musicales.





En este punto, por lo regular es muy dado que el propietario de los instrumentos sean varias personas ya que cada músico cuenta con  su propio instrumento, si lo que pretendes es desarrollar un grupo musical sólido, es recomendable que como encargado o representante, veas la manera de que la banda en sí, cuente con sus propios instrumentos ya que es bastante decepcionante cuando un integrante decide renunciar al proyecto termina llevándose su instrumento y la banda termina perdiendo uno o varios arreglos musicales ya ensayados, y se tiene  que esperar hasta conseguir un nuevo integrante que cuente con el instrumentos.

Veamos esta área de la música, como algo de suma importancia, ya que estas son las herramientas principales para poder realizar el proyecto, por lo cual el cuidado y manejo de los mismos deben de ser tomados en cuenta y darles la importancia necesaria; se deberá dejar en claro que el músico será responsable del buen cuidado de su instrumento y los consumos e insumos que este genere, de ser necesario se deberá de firmar una responsiva de los mismos, en el cual se especifique costo , modelo, marca, serie  y estado del instrumento que se le está otorgando.

Es muy importante la seriedad que se le dé a este rubro ya que de ahí dependerá el cuidado y la durabilidad de los instrumentos, en diversas ocasiones me ha tocado lidiar en un ensayo, cuando este se concluye y uno o más integrantes deciden dejar un tiradero de cables y no recoger sus instrumentos, este método de responsivas es infalible, por lo cual no debes dejar de considerarlo.

En resumen.


Define el rumbo de tu banda, considera cada uno de los puntos que te ayudaran a alcanzar tus objetivos, el cuidado de tus instrumentos son muy importantes ya que son las herramientas que usaras para llegar a tu objetivo, busca mantener una sana relación con cada uno de los integrantes, ya que la armonía entre ustedes se verá reflejado en la ejecución de una “masterpiece”, nada es simple y sencillo, si esto fuese asi, habría un infinito de grupos musicales de alto nivel, el nivel se lo da uno mismo, ya que todo depende del tiempo y dedicación de cada integrante, espero que estas observaciones sirvan para ayudar el inicio de una nueva banda con cimientos sólidos, espero sus comentarios y nos indiquen de qué manera ha mejorado tu grupo musical.

Tengan un excelente comienzo y satisfactorio final.




Cual es la diferencia entre el formato MP3 y MIDI?

En la actualidad, el formato con mas éxito en el mundo de la música en Internet es MP3. Los directores de las compañias discográficas lo odian mientras los estudiantes y navegantes de la red lo aman. A pesar de que mucha gente ya lo conozca, en este artículo vamos a explicar: Que es exactamente el formato MP3 y porque ocupa mucho mas espacio que el formato MIDI???

Diferencias básicas


Un archivo MP3 es un archivo de audio que ha sido comprimido (se ha reducido su tamaño en disco) por lo que puede ser enviado facilmente por la red. Un archivo de música descomprimido, como los que se pueden encontrar en un CD, puede ocupar 40 o 50 Megabytes o mucho mas. Un archivo MP3 ocupa normalmente una décima parte de este tamaño, perdiendo muy poca calidad.
Por otro lado, los archivos MIDI, no contienen audio en si. Lo que realmente contienen es una secuencia de música grabada como un conjunto de números que indican como debe ser reproducida esta música. La principal ventaja de este tipo de archivos es el tamaño tan reducido que ocupan en disco. La principal desventaja es que el sónido reproducido depende completamente del dispositivo de salida (normalmente la tarjeta de sonido del ordenador).

Diferencias técnicas


MP3 son las siglas de MPEG1 Nivel 3. MPEG (Moving Pictures Experts Group) es una organización que trabaja bajo la dirección de la International Standards Organization (ISO) y la International Electro-Technical Commission (IEC). Este grupo produce estandares para la codificación de películas animadas y audio. Los archivos MPEG de audio estan comprimidos y ocupan normalmente una décima parte de los archivos descomprimidos (una pista de un CD, o WAV o AIF son ejemplos de música sin comprimir).
MIDI responde a las siglas de Musical Instrument Digital Interface, y apareció in 1983. No es realmente un formato de audio, sino que es un protocolo por el cual varios intrumentos musicales electrónicos, incluidos las tarjetas de sonido de los ordenadores, se pueden conectar y interactuar entre ellos para producir música. De todas formas, mucha gente utiliza la palabra "MIDI" para referirse a ficheros (secuencias) producidas por dispositivos MIDI. A diferencia del resto de formatos de audio, los archivos MIDI, no contienen música grabada, sino un conjunto de instrucciones que indican como tocar un tono.

Para que te puede servir a ti???


Los archivos MIDI son muy pequeños y, por lo tanto, excelentes para utilitzar en páginas Web y otras aplicaciones. Solo unos segundos de descarga, aun teniendo una pequeña velocidad de conexión, pueden significar muchos minutos para escuchar buena música. Los archivos MIDI se pueden reproducir en la mayoría de navegadores si tener que instalar ningún plugin. Además este tipo de archivo es mucho mas fácil de editar que cualquier otro tipo de archivo de m&uuacute;sica.
Como se ha comentado préviamente, el principal inconveniente de este tipo de archivos es que la calidad de la reproducción depende del dispositivo reproductor (tarjeta de sonido o sintetizador). Una secuencia MIDI que suena perfecta en una tarjeta de calidad puede sonar horrible en una tarjeta barata. Además el formato MIDI, es solo instrumental (no vocal). A pesar de esto existen programas como el CakeWalk y Cubase que son capaces de combinar formatos vocales con formatos instrumentales como el MIDI.
Para finalizar solo cabe decir que tanto el MIDI como el MP3 son solo dos formatos para reproducir música y que la música es lo que es realmente importante.




link de referencia: http://www.musicamidigratis.com/articulos/diferenciamp3midi.html