NAMM 2012

La feria de instrumentos, equipos y accesorios musicales NAMM 2012 realizada del 19 al 22 de Enero en Anaheim (California), presentó como es costumbre, una amplísima y variada cantidad de productos, algunos de los cuales presentamos en este informe.

ROLAND + FENDER La VG Stratocaster G-5 fusiona el clásico diseño de Fender con la tecnología de simulaciones COSM de Roland, utilizada por ejemplo, en su línea de pedaleras GT, y en su sinte de guitarra GR-55. Es así como esta G-5 brinda 5 diferentes afinaciones de forma electrónica, junto con 20 modelados de guitarras eléctricas y acústicas, de 6 y de 12 cuerdas, con variaciones de pickups simples y dobles. TC ELECTRONICS La serie TonePrint de pedales de TC Electronics, presenta una aplicación para iPhone y Android, por la cual es posible cargar seteos en los pedales de la serie, desde el celular. Cada uno de estos TonePrint se convierte en un impulso magnético que se envía al parlante interno del celular, a través del pickup de la guitarra eléctrica, y directamentte a un pedal de esta serie TonePrint. DIGITECH El nuevo Whammy DT de DigiTech, además de ofrecer las prestaciones habituales de este pedal, permite modificar afinaciones, sin tener que cambiar de instrumento. El Whammy DT puede bajar o subir la afinación hasta tres tonos y medio, en una modalidad de a medio tono. Entre otras cosas, el Whammy posee nueve modos de pitch shifting, ya sea para dos octavas arriba o dos octavas abajo, junto con nueve modos de armonía, y el efecto Dive Bombo de seis octavas hacia abajo. ESP Hace ya 25 años que la marca de guitarras ESP comenzó su colaboración con el guitarrista de Metallica Kirk Hammett. Para celebrar este aniversario, la marca lanzó tres nuevos modelos Signature: la ESP KH-DC, la LTD KH-DC, y la LTD KH-25. Todas las guitarras presentan pickups EMG activos 81 y 60, con puentes TonePro, controles de volumen para cada mic y tono master, junto con una llave selectora de tres posiciones. ELECTRO-HARMONIX El pedal Analogizer de Electro-Harmonix está diseñado para "calentar" las señales digitalmente procesadas, o "engordar" sonidos. Incluye cuatro controles (gain, spread, blend, volume). El control de ganancia incremneta la señal en +26dB. El control de "spread" maneja el tiempo de delay, de 3.5 a 65 ms. VISUAL SOUND El Dual Tap Delay de Visual Sound, fue diseñado por la compañía de efectos ante la necesidad de reemplazar su delay anterior, debido a que el circuito integrado utilizado para su fabricación, dejó de existir en el mercado. El Dual Tap Delay trae dos delays independientes, los cuales pueden usarse de forma conjunta o independiente, sincronizados con un único switch de tap-tempo. Si bien ambos delays son idénticos, el segundo presenta además una función de modulación para agregar un efecto de chorus. EMINENCE Los guitarristas ya tenían su modelo de guitarra, de equipo, de pedal… Ahora, las fábricas de parlantes también comenzaron a presentar modelos signature. El caso del Eminence EJ1250 es el de un parlante de AlNiCo, fabricado en EE.UU., diseñado en conjunto con el guitarrista Eric Johnson. Está disponible en 8 y 16 ohms, y soporta una potencia de 50 watts. FERNANDES Fernandes Guitars presentó, dentro de la Shin Series, a sus modelos Ravelle Dragon, Coi y Demon, junto con la Vertigo Samurai I, II y II. Estas guitarras cuentan en su frente con ilustraciones a cargo del artista japonés Shin. También, la fábrica presentó su línea de guitarras y bajos Made in Japan. Esta línea cuenta con modelos como la Monterey Elite, la nueva Vulcan Elite (rediseño de la tradicional Vertigo), la V-Hawk Elite, la Ravelle Elite, la Vortex Elite, Vertigo Elite, Dragonfly Elite, Retrorocket Elite, Revolver Elite, y Revolver Classic. Cabe destacar que todos los instrumentos Elite cuentan con el sistema Fernandes Sustainer. En lo que a bajos se refiere, los Made in Japan pertenecen a la nueva serie Retrospect. PEAVEY ¿Una guitarra que desenchufada suena desafinada, pero que al conectarse suena correctamente afinada? La Peavey AT-200 es una guitarra eléctrica que con sólo apretar el pote de volumen, cambia de afinación al instante. ¡Y todo, sin retardo ni delay en su trackeo! La sociedad entre Peavey y Antares Audio Technologies creó este instrumento, que emplea una tecnología de Auto-Tune DSP para lograr la claridad de la afinación perfecta en un instrumento que se toca y que suena de forma convencional. WARWICK La compañía Warwick celebra su 30 aniversario, preentando su bajo Streamer Ltd 2012 30 Anniversary. El instrumento cuenta con una madera con veinte años de estacionamiento, la cual proviene de los cuarteles centrales de la firma, en Alemania. La terminación de este bajo, cuya construcción es neck-thru, es mate (oil finish), y tiene mango y trastera de wenge, con pastillas EMG P/J activas y circuito activo MEC de ecualización. FENDER La serie Select de Fender presenta una línea de instrumentos, que se encuentra sólo un escalón por debajo de lo que sería la Custom Shop Series. Estos instrumentos cuentan con una terminación brillantemente laqueada, con mango tipo C de maple. La Select Series está compuesta por la Select Stratocaster Dark Cherry Burst, por la Select Stratocaster HSS, la Select Telecaster Violin Burst, la Select Telecaster Carved Koa Top, y la Select Telecaster Carved Maple Top. En cuanto a los bajos, Fender presenta el Select Precision Bass y el Select Jazz Bass. ROCKTRON La nueva pedalera G200B Utopia de Rocktron es la primera en incluir el talk box Banshee. Tiene 64 presets de fábrica y 54 de usuario, con cuatro canales, y EQ de cuatro bandas. CARVIN Fue Steve Vai en persona quien se encargó de presentar en NAMM 2012 el nuevo cabezal VL300 Legacy III. Este amplificador de 100 watts presenta tres canales: Ch1 clean, Ch2 drive, Ch3 drive con switch High Gain. Posee dos loops de efecto, reverb asignable por canal, Midi In/Thru, y una potencia de salida que va de los 100 a los 50 o a los 15 watts. Incluye cuatro válvulas de potencia EL34. ZOOM La nueva pedalera G5 de Zoom combina efectos con simulaciones de equipos, junto con una interfase de audio USB. La G5 presenta cuatro displays LCD con sus correspondientes footswitches y controles de parámetros, además de un pedal de expresión. La interfase gráfica permite al usuario utilizar hasta nueve efectos simultáneos. La Zoom G5 incluye 20 modelos de equipos, 100 simulaciones de pedales de efecto, y más de 120 efectos DSP. Su función de Tube Booster suma 16dB a la señal original. ERNIE BALL La firma Ernie Ball cumplió 50 años, y además de festejarlo con un afiesta increíble, presentó sus nuevas cuerdas de cobalto, las Ernie Ball Slinky Cobalt para guitarra y para bajo. Estas cuerdas con aleación de cobalto tienen un mayor rango dinámico, una respuesta de armónicos mucho más rica que las cuerdas convencionales, y unos graves y agudos más claros. Esto se debe a que el cobalto produce una mejor relación magnética con las pastillas que otras aleaciones. Junato con las mejoras en el tono, las Cobalt tienen un tacto más ligero, y los bendings se pueden hacer con mayor facilidad. DUNLOP Entre los varios productos presentados en la feria NAMM 2012, Dunlop presentó el nuevo MXR Custom Badass Modified O.D., el Eric Johnson Fuzz Face, y el wah wah CryBaby de Joe Bonamassa. Este último cuenta con un look distintivo, y en su interior presenta un inductor Halo para mayores armónicos, un buffer para prevenir el desbalance de impedancia cuando se lo conecta a otros pedales, y un switch para elegir operación true-bypass o non-true-bypass. Por su aprte, el nuevo overdrive MXR Custom Badass incluye un control para manejar el rango de frecuencia de los 100Hz, el cual brinda mayor cuerpo al sonido del efectos. AMPEG Si bien esta marca está fuertemente ligada al rubro de amplificación para bajos, Ampeg presentó distintos equipos para los guitarristas. La serie GVT es una serie de equipos valvulares, que va de un cabezal de 5 watts hasta un combo de 50 watts con configuración 2 x 12". La serie Heritage recrea la famosa línea valvular de la marca, como por ejemplo el Heritage R-12R Reveberocket. Por último, la serie SVT presenta el Ampeg Micro-CL Stack de 100 watts con un bafle de 2 x 10". NADY La firma que bajo el mando de John Nady creo el primer inalámbrico para guitarra eléctrica, presentó en NAMM 2012 el nuevo sistema U-800, con un rango dinámico de 120 dB. Sus 800 canales UHF aseguran una operación libre de interferencia, y viene para usarse con un micrófono de mano o con el UB-800 para guitarra o bajo eléctrico. También presentó el PEM-1000, un sistema de monitoreo in-ear UHF con 100 frecuencias seleccionables, y la Micro Series de 16 canales UHF con inalámbricos tipo plug-in compactos. SEYMOUR DUNCAN El Gus G. Fire Blackouts System, es un sistema de micrófonos para guitarra eléctrica, que combina el tradicional diseño de pickups pasivos, con una innovadora tecnología de pickups activos. El mic signature del guitarrista de Ozzy Osbourne incluye un par de pickups tradicionales de bajo ruido y alta ganancia, con un preamp dual activo. Este preamp reemplaza a uno de los potenciómetros de volumen de la guitarra. IBANEZ Con motivo del 25 aniversario del lanzamiento de su ya clásico modelo RG o Roadstar Guitar, Ibanez presentó esta guitarra, en sus versiones amarillo y rosa. Esta RG 25 Anniversary cuenta con un mango tipo Wizard hecho en cinco partes de maple y nogal, con un cuerpo de tilo (basswood), pickups DiMarzio IBZ, y un sistema de vibrato Edge-Zero II. T-REX La gente de T-Rex presentó una nueva serie de pedales, la cual incluye el Gull Triple Voice Wah, y el Hobo Drive preamp de dos etapas. El Gull Triple Voice ofrece dos opciones de wah –light & heavy- junto con un filtro para un efecto de sonido tipo "yoy". El Hobo Drive incluye controles de preamp y de volumen, junto con uno de tono. Este pedal trae a su vez una función de boost para activar durante los solos. ORANGE En nuevo cabezal OR50H de la firma británica Orange es de un solo canal, con un circuito de ganancia de tres etapas y control HF de drive. A medida que el usuario va subiendo el volumen, incrementa la presencia de la etapa de potencia, además de sumar ganancia al sonido. El OR50H tiene otra versión clase A de 15 watts. BOSS La firma Boss presentó su nueva pedalera, la GT-100. Para esta nueva versión de su línea GT, Boss rediseñó sus simulaciones COSM de equipos, combinando sonidos vintage con otros más modernos. También, la firma incluyó nuevas versiones de efectos como overdrives, distortions, delays, pitch shifters, modulation y reverbs. El pedal de expresión no sólo sirve para efectos de wah, volumen y pitch, sino que también acede a modificaciones en tiempo real de parámetros de los efectos. La GT-100 es de metal, presenta 8 footswitches, y es posible usarla tanto como una unidad multiefectos, como si fuera una serie de pedales de efectos individuales en el modo Manual. ENGL La firma alemana de amplificadores usados por Steve Morse, Vivian Campbell y Ritchie Blackmore, entre otros, presentó el cabezal ENGL E765 Retro Tube 100. Este equipo trae dos canales. Mientras que el canal 1 ofrece sonidos limpios claros y cálidos, junto con variantes crunch de saturación, el canal 2 permite una amplia gama de sonidos distorsionados, inclinados hacia tonalidades del tipo vintage. Cada canal incluye Eq independiente, y el equipo viene con cuatro válvulas ECC83 (12AX7) de preamp, y cuatro EL34 de potencia.

Zoom G2.1DM Dave Mustaine Multi-FX

Zoom ha presentado en el NAMM 2011 una nueva pedalera para guitarra, el primero modelo de Zoom creado para el lider, guitarrista y vocalista de Megadeth, Dave Mustaine, el multiefectos Zoom G2.1DM Dave Mustaine Multi-FX.

Zoom, en colaboración con Dave Mustaine, ha creado este pedal incluyendo en él los sonidos personales de Mustaine y un gran pedal de expresión creado a partir del acelerador de uno de sus coches deportivos (curioso detalle desde luego) y conexión USB. Mark Menghi, el encargado de la relación con los artistas en Zoom ha declarado que ha sido un honor poder trabajar con un artista como Dave, sobre todo en un año en el cual Megadeth ha celebrado el 20 aniversario de uno de sus mejores discos, Rust In Peace, y en el que se ha realizado la gran gira del “The Big Four” junto con Slayer, Metallica y Anthrax.

Por el momento no se conocen los detalles técnicos del pedal, si bien el fin del mismo es ofrecer y capturar el sonido Trash Metal. El pedal estará disponible probablemente el segundo trimestre de 2011 y costará aproximadamente $249.

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Ritmos del mundo Asia.

Pepe Acebal

Comenzamos nuestro penúltimo viaje por los ritmos del mundo, esta vez descubriremos el recorrido musical más extenso de cuantos hemos hecho hasta ahora. En nuestra mirada, Asia. Nuestro objetivo, intentar desgranar algunos de los más representativos códigos rítmicos de esta extensísima tierra e intentar comprender el cómo y porqué del origen de sus tradiciones musicales.


Asia es el continente más extenso y poblado del planeta, cuenta con cerca de 45 millones de km2 y con más de 4.000 millones de habitantes; el 60% de la población humana.


En Asia hay más diversidad de pueblos que en cualquier otro continente. Esta es una zona de gran riqueza espiritual y de gran importancia religiosa, ya que las religiones más practicadas del mundo surgieron en Asia: el judaísmo, el cristianismo, el islamismo, el budismo y el hinduismo.
La enorme disparidad cultural hace imposible condensar todas las variables rítmicas de esta basta extensión, no obstante, trataremos de analizar las más importantes o representativas.


Asia del Sur
La subregión de Asia del Sur comprende países como Bangladesh, Bután, India, Irán, Maldivas, Nepal, Pakistán o Sri Lanka. Nosotros vamos a hacer escala en dos de estos: la India y Pakistán.


En India existen dos estilos de música clásica: la música carnática, encontrada principalmente en el sur y la música clásica indostaní, en el norte del país. Las dos tradiciones proceden de la misma raíz formada en el siglo XIII. La rama carnática destaca por enfatizar la estructura de la canción, es mucho más teórica que la indostaní y tiene reglas más estrictas.


El sistema tonal de este genero musical no guarda relación con los establecidos en otras partes y la tradición afirma que éste proviene de un origen divino. Los conceptos musicales básicos son el raga (escala musical) y el tala (ritmo). Nos centraremos solamente en el aspecto rítmico, ya que el espectro musical de estas gentes es muy amplio y complejo.


La rítmica en la música hindú es sin lugar a dudas una de las más complejas del planeta. Un tala cuenta con un número que oscila entre tres y 108 tiempos o pulsaciones. Estos son agrupados en función de sus acentos y se interpretan con cambios de velocidad: lento, medio o vivo.


Los talas más importantes son: Tin-tal, 16 tiempos (4+4+4+4); Ek-tal, 12 tiempos (2+2+2+2+2+2); Jha-tal, 10 tiempos (2+3+2+3); Kharva-tal, 8 tiempos (4+4); Rupak-tal, 7 tiempos (3+2+2); Dadra-tal, 6 tiempos (3+3).


La memorización de las variaciones rítmicas se hace con la ayuda de monosílabos que representan las diversas maneras de golpear el instrumento (tabla).


Lo comentado anteriormente es solamente la punta del iceberg de un completísimo y estructurado sistema rítmico, es completamente imposible explicaros toda su constitución en unas pocas líneas.


Los instrumentos principales son:
El sitar, la tampura, la vina, el sarangi, el sarod, el bansuri, la tabla, el mridangam, o el ghatam.


Y algunos de los artistas influyentes:
Ravi Shankar, Zakir Hussain, Selva Ganesh, Baha-ud-din Dagar, Wasifuddin Dagar, Bhimsen Joshi, Shahid Parvez, Imrat Khan, Trilok Gurtu, Ram Narayan, Kumar Sharma, Alla Rakha.


La música Qawwali, hablamos ahora de Pakistán, es una tradición sufí totalmente única en el subcontinente indio. Sus inconfundibles ritmos, grandes juegos vocales y un mensaje de amor universal y de paz, han hecho que este estilo encuentre fanáticos en todo el mundo, no sólo entre los que profesan el sufismo o las creencias musulmanas, sino también entre un publico más extenso y multicultural.


Su conformación musical se basa en el sistema de ragas y talas indio, donde se crean composiciones modernas o tradicionales que abarcan poemas o leyendas compuestos en su origen por grandes poetas sufís.


El acompañamiento musical es variado: harmonium, tabla, dholak, sarangi, saringda y rabab, son los instrumentos más comunes. Además, el simple sonido de las palmas es un soporte rítmico omnipresente.


Hay varios talas en uso en el Qawwali, los más comúnes son el Dadra-tal y el Kharva-tal anteriormente vistos. A diferencia de las formas clásicas, más complejas, estos talas se tocan de forma tal que producen un ritmo regular hipnótico.


El artista que hizo más que cualquier otro para llevar el Qawwali a una audiencia mundial fue el gran cantante pakistaní Nusrat Fateh Ali Khan, que murió en 1997. Otros artistas importantes son los hermanos Sabri o el dúo Mehr y Sher Ali.


Hoy día podemos ver también a grandes cantaores del flamenco como Duquende o Miguel Poveda adentrándose en este genero musical.


Asia del Este
Más de 1.500 millones de personas viven en Asia del Este, lo que equivale casi al doble de Europa. Asia del Este es una de las regiones más sobrepobladas, su densidad en habitantes es el triple que la media mundial.


De Asia del Este vamos a destacar la música de China y Japón.


La civilización china se encuentra entre las más antiguas del mundo, su sistema musical y algunos instrumentos se desarrollaron antes que en otros países. Las notas musicales estaban asociadas al firmamento y dependiendo de éste las canciones tenían diferentes formas. La música en china siempre tuvo un vínculo muy fuerte con la naturaleza y es tocada por instrumentistas solistas o en pequeños ensambles de instrumentos de cuerdas punteadas y frotadas como las flautas, los platillos, los gongs y los tambores. Las flautas chinas de bambú y los guqin son los instrumentos chinos más antiguos que se conocen.


Los instrumentos se dividen tradicionalmente en categorías basadas en el material que los componen: piel, calabaza, bambú, madera, seda, tierra/arcilla, metal y piedra.
La música china (cuya escala está compuesta de cinco notas) se escribía con los mismos caracteres usados para las palabras, no había manera universal para escribir los ritmos y los músicos sólo podían hacerse una vaga idea de la pieza leyendo las alturas. El compás de cuatro tiempos es el más usado en la música de estas zonas y se da un papel fundamental a la melodía, relegando así a un segundo plano al ritmo y a la armonía.


Otro movimiento musical muy importante en china es la ópera, donde se cuenta la historia del pueblo chino, siempre condicionada por la doctrina de los mandatarios que en ese momento se encontrasen en el poder.


Algunos artistas o grupos de música tradicional son:
Chen Dacan, Hu Ruijun, Han Ying, Hong Kong Philharmonic Orchestra, City Chinese Orchestra, China National Symphony Orchestra, Wang Guowei, Chen Yihan, Helen Yee.


En Japón podemos encontrarnos dos tipos de música tradicional: la teatral y la cortesana. El estilo orquestal cortesano es muy diferente del teatral, pero existen características comunes entre las dos que las hacen semejantes. La inexistencia de melodía acórdica, melodías que parecen solaparse, la improvisación o creación de melodías en el instante de la interpretación y una estructura de tres partes (introducción, ruptura, rápido) son las bases de estos géneros.


En cuanto a los instrumentos tradicionales, decir que gran parte de ellos se han desarrollado a partir de los instrumentos chinos. Algunos ejemplos son:
El Koto, Shamisen, Ryuteki, Komabue, Hichiriki, Biwa, Sho, Kakko, Taiko.


El Taiko (tambor grande) fue usado en batallas para coordinar los movimientos entre las tropas alrededor del año 1500; el Taiko era el único instrumento que podía ser oído en todo el campo de batalla.


Éste se ha convertido en un elemento de percusión muy célebre y el éxito que internacionalmente están alcanzado grupos de Taiko como Kodo y Ondekoza, ha hecho que agrupaciones de este estilo hayan nacido también en países como Estados Unidos y Canadá, aunque también existen grupos por toda Europa, Australia y América del Sur.


Asia Central
La región de Asia Central comprende principalmente a las ex repúblicas soviéticas de Kirguizistán, Tadzhikistán, Kazajstán, Uzbekistán y Turkmenistán, además de Afganistán, la Región Autónoma de Xinjiang en China y Mongolia.


La música clásica de Asia Central se basa en el maqam (podríamos traducir como “modo”), un nombre que comparte con otros repertorios de música clásica o música de la corte en el mundo musulmán básico, como el árabe, turco, iraní y otros repertorios. Las variedades locales de maqam en Asia central son innumerables, pero todos se basan en la raíz de un lenguaje musical común.


La música vocal se encuentra en el centro de todas las tradiciones de maqam. Los cantantes suelen estar acompañados por pequeños conjuntos de instrumentos mixtos que siempre incluyen percusión y la voz, en piezas instrumentales es sustituida simbólicamente por instrumentos solistas como el laúd, los violines o las flautas. Este género incluye piezas ancestrales llegadas de la más pura tradición oral y temas cantados con acompañamiento melódico y rítmico. Los músicos suelen adaptar diferentes textos poéticos de una manera rítmica y musical. Algunos textos son de poetas clásicos islámicos como Hafez, Jami, Nawâî, Hilali, Amiri, Bedil, Mashrab, pero también nos encontramos otros, escritos en persa, con una forma literaria conocida en turco como Chagatay.


Las tradiciones regionales de maqam de Asia Central son: Shash maqam, que floreció en las ciudades históricamente multiculturales de Bujara y Samarcanda, cuyos artistas son los Tayikos, Uzbecos y judíos Bukharan; Khorezm maqam, vinculado a la ciudad de Jiva en Uzbekistán; Ferghana-Tashkent maqam, cultivado por los gobernantes del siglo XIX de Quqon; y el Ikki maqam de Los Uigures, que cuenta con un pasado común al resto de estilos y repertorios, pero con un desarrollo propio reflejado a lo largo de muchos siglos en las ciudades oasis de lo que ahora es Uigur de Xinjiang, comunidad autónoma de China.


Los instrumentos más utilizados en estas zonas son:
Choor (flauta), Choor Chopo (ocarina), Doira (pandero), Dombra (familia del laúd),
Dutar (familia del laúd), Garmon (acordeón), Ghijak (violín), Komuz (familia del laúd), Kyyak Kyl (especie de violín), Tar (violín-sitar).


Algunos artistas o grupos relacionados con estas músicas son:
Alim Qasimov, Tengir-Too, Homayun Sakhi, Badakhshan Ensemble, Silk Road Ensemble, Turdi Ahun, Sevara Nazarkhan, Atabai Tsharykuliev.


Sureste Asiático
Sureste Asiático o Sudeste de Asia es la región de Asia situada al sur de China y al este de la India. Suele considerarse parte de Extremo Oriente y tienen entre sí cierta unidad cultural e histórica. Comprende dos divisiones: la de Indochina (parte continental) y el Archipiélago malayo (parte insular).
En total, la superficie del Sureste Asiático asciende a unos 4.000.000 km². Más de 600 millones de personas habitaban en la región y la sexta parte lo hace en la isla de Java, la más poblada del mundo.


La forma musical más conocida de estas zonas es el gamelán, que es el conjunto instrumental tradicional de Indonesia.


El término gamelán significa golpear y hace referencia a un conjunto instrumental compuesto por toda clase de metalófonos, gong de bronce de diversos tamaños, címbalos, o tambores de doble parche. A veces también se utilizan instrumentos de viento, cuerdas como el rabab, el laúd de arco, cítaras, xilófonos y la voz humana, tanto solista como coros.


Las islas de Indonesia han tenido vínculos comerciales con China e India durante dos mil años. Ha habido muchas invasiones y migraciones que, en su conjunto, han tenido efectos sobre la religión, el lenguaje, el gobierno y las manifestaciones artísticas de Indonesia. En la actualidad, Bali es mayormente hindú y Java musulmana. En Bali las manifestaciones artísticas y las historias utilizadas en las representaciones de teatro y danza están acompañadas con música de gamelán, basadas principalmente en la mitología hindú.


El sonido producido por el conjunto de instrumentos del gamelán es único. Muchos tienen un carácter sonoro o timbre bastante similar, por lo que es difícil reconocer las diferentes texturas musicales de este genero.


Una música que se basa principalmente en dos escalas:
El Slendro, escala de cinco notas que podríamos decir que intenta dividir una octava en cinco intervalos iguales.


La escala Pelog, que consta de siete notas, no todas ellas equidistantes entre sí.


Existen tres elementos en la música: la armonía (o combinación de tonos simultáneos) y los movimientos de estos sonidos combinados; la melodía (o modo en que se mueven las notas sucesivamente en relación de unas con otras) y la manera en que se entretejen con otros sonidos de menor importancia y, finalmente, el ritmo (o repetición de un patrón de acentos fuertes y débiles de una duración desigual).


Además nos encontramos con ritmos con gran complejidad técnica, como es el caso del kotedan (característica que define gran parte de la música gamelán), el cual es interpretado por dos músicos que, tocando melodías distintas, logran confluir en una misma.


A grandes rasgos podemos decir que el kotekan fusiona dos o más instrumentos en el ensamble y normalmente su sonido se consigue haciendo referencia a patrones sincopados, donde cada patrón incluye momentos en los que sólo suena un instrumento y otros en los que suenan ambos tocando tonos armónicos. En conjunto lo que se percibe es un sonido permanente.


El patrón del instrumento que lleva el sonido más agudo (pengisep) se denomina “polos” y el patrón del instrumento que lleva el sondo más grave (pengumbang) es “sangsih”. Los patrones de los polos coinciden con los tiempos fuertes, mientras que los sangish coinciden con los débiles. En gran parte del kotekan los polos coinciden con el desarrollo principal de la estructura musical que es tocada con lanang, mientras que la parte más grave, el sangish, se toca con tambores wadon.


Grupos o intérpretes de música gamelán:


Marsudi Raras, Bellas Stream Gamelan, Sekar Sequoia, Pusaka Sonda, SambaSunda, Gamelan Sekar Jaya, Banyumas Bamboo Gamelan, Pusaka Sunda.


Con este paseo me despido hasta el próximo número. Europa nos espera a la vuelta de la esquina, pero antes os deseo un feliz año.


“En verdad, si no fuera por la música, habría más razones para volverse loco” Piotr Ilich Tchaikovsk.

Heard of Ellephants

                             

Sobre esta pista
Etiquetas: funk, reggae, jazz, blues
Duración: 6:05
Publicado el:  05/04/2009
Country: Reino Unido - London

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Las 7 eras del Rock V parte

Rock de Estadio. We Are The Champions

Artistas, en orden de aparición
Led Zeppelin
Queen
Kiss
Bruce Springsteen
The Police
Dire Straits
U2

Bruce Springsteen en Norway, 1981.

Led Zeppelin fue una de las primeras bandas de Rock de estadio, llegando a tocar ante 50.000 personas. Se les podría dejar el 90% del crédito a su excelente música y el otro 10% a las promociones de los shows. Queen tomó esa jugada y la mejoró llenando estadios en los que cabían 130.000 personas y más. Esto se debía en gran parte a la puesta en escena que hacían, de la cual el principal protagonista era el vocalista Freddie Mercury. En los EE.UU., Kiss dejaba su música en segundo plano, y llenaban estadios de gente principalmente interesada en ver su actuación, lo que hacía que los críticos musicales los odiasen. Otra fuente de ganancias de Kiss era toda la mercancía que vendía, por ejemplo, muñecos de ellos mismos, que compraban niños que no sabían nada de rock. Eso producía 50 millones de dólares al año.

También en Estados Unidos, Bruce Springsteen se convirtió en uno de los íconos del rock de estadio, prácticamente contra su voluntad. Mientras pudo, se mantuvo tocando en clubes y lugares pequeños, cuando podría perfectamente haber estado llenando estadios. Pero, irónicamente, esa actitud de perfil bajo fue precisamente lo que lo hizo grande.

Cuando The Police tuvo éxito en Inglaterra, invirtieron sus ahorros en una gira por EE.UU., donde por un tiempo fueron la banda suceso. También innovaron yendo a países que otras bandas nunca habían visitado, como Egipto. Queen hizo algo similar en Sudamérica, adonde fueron sin creer que podrían llenar estadios como hacían en Norteamérica y Europa, pero así lo hicieron, llenando grandes estadios de fútbol. Y en Japón, fueron recibidos como a The Beatles. La coronación de todo esto fue el Live Aid, del cual su organizador Bob Geldof dijo “la lengua franca del mundo no es el inglés, es el Rock and Roll”.

U2 fue la última gran banda que surgió de la era del rock de estadio. De la mano de la banda, el espectáculo Zoo TV llevó la televisión al escenario. También introdujeron lo que se llama B Stage, es decir, rodearse de audiencia y tocar en el medio del estadio, lo cual contribuyó a la gradual separación de los artistas y el público en vivo.

Origen del Título: Canción de Queen, del álbum News of the World

http://es.wikipedia.org/wiki/Seven_Ages_of_Rock

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	Número 145, Junio 2012 INSTRUMENTOS: Guitarra Vox Virage ENTREVISTA: Visitamos la fábrica de Guitarras Taylor. CONCURSOS: VI Edición del Concurso de Solos de Guitarra. PRODUCCIÓN DIGITAL: Monitores Gemini SR-6, Cubase 6.5, Guía de superviviencia II. AUDIO PRO: A fondo con LD Systems.
	Número 144, Mayo 2012 INSTRUMENTOS: DV MARK Combo Galileo, Digitech iStomp, TC Electronic: The Dreamscape VI Edición del concurso de solos Baterías en ISP Música PRODUCCIÓN DIGITAL: Keytracks, Guía de supervivencia Protools Ferias: Conclusiones Musikmesse AUDIO PRO: MLA Compact
	Número 143, Abril 2012 INSTRUMENTOS: Ampli ENGL Gigmaster Combo, Guitar Jack: Tu estudio en el ipad, Petrucci dreamscape ESPECIAL JOHN PETRUCCI PRODUCCIÓN DIGITAL: Guía de superviviencia en Pro Tools CONCURSOS: ¿Eres batera? Concurso ZILDJIAN ENTREVISTA: YAMAHA: La voz de los importadores AUDIO PRO: Especial Line Array, A fondo con DB Technologies
	Número 142, Marzo 2012 INSTRUMENTOS: Ampli Laney IronHeart IRT120, Nuevo combo AMPEG BA115HP. PRODUCCIÓN DIGITAL: Toontrack Roots SDX sticks, Nueva serie CMC de Steinberg. ENTREVISTA: Mogar: La voz de los importadores. AUDIO PRO: Especial Line Array, Master Class Michel Martín: Un único micro=360 posibilidades.
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	Número 137, Octubre 2011 INSTRUMENTOS: La final del concurso, Cabezal Bogner Shiva, Visitamos Traste Cero, La meca del rock. ENTREVISTA: Christian Howes, La tradición y la vanguardia. PRODUCCIÓN DIGITAL: Custom Vintage SDX. AUDIO PRO: ¿Dónde alquilar?, LD Systems Dave 8 XS.
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	Número 135, Julio 2011 INSTRUMENTOS: Tiendas en España, Dominic Miller en exclusiva ISP. V edición del Concurso de Solos: Premios y un jurado suculento. PRODUCCIÓN DIGITAL: Roland GR-55, El batería de Pereza + 30 micros en PKO . AUDIO PRO: ESPECIAL INSTALADORES II.
	Número 134, Junio 2011 INSTRUMENTOS: Santafe Darwin Signature®, Pedal BudWah. A fondo: Sonibit. PRODUCCIÓN DIGITAL: ¿Updatear o no updatear?, Grabar baterías en estudio I, Sala Tron. AUDIO PRO: ESPECIAL INSTALADORES.