Jamendo PRO
Descarga, difunde y crea!!
viernes, junio 29, 2012
EVH Wolfgang® Special
Si pedimos el nombre de cinco guitarristas que hayan sido cruciales para la historia de la música, seguro que en una gran cantidad de respuestas aparecerá el nombre de Van Halen. ¿Qué podemos decir de él que no se haya dicho ya? Por si acaso, vamos a comentar brevemente algo de su vida y milagros: Van Halen comenzó a ser conocido a principios de los 80 gracias a canciones como “Jump”, “Eruption”, “Ain´t talking about love”, etc., donde técnicamente empezó a desarrollar el conocido tapping. Por otro lado, tenía cierta sensibilidad para poder sonar completamente swing dentro de un contexto de rock. Al mismo tiempo, por su banda Van Halen pasaron dos grandes cantantes: David Lee Roth y Sammy Hagar, cada uno dentro de su estilo. Con la guitarra, Van Halen tiene mucha personalidad, y no es que utilice un equipo realmente complicado: guitarra, unos pocos pedales y el cabezal con la pantalla. Por supuesto, más allá de sus dedos, oídos y cabeza, cada uno de los componentes que tiene en su cadena de sonido juega un papel crucial. La EVH Wolfgang Special es una guitarra dentro del sonido Van Halen, muy rock y con una ataque muy agradecido. Podemos decir que es una guitarra que utiliza en la última etapa. Pasemos a describir pieza por pieza la guitarra de nuestro guitar hero.
Descripción técnica
El aspecto de la guitarra es inmejorable: posee un acabado espectacular y muy atractivo. El tamaño es relativamente grande, es decir, es más que una Strato® pero no tanto como una Les Paul®, un tamaño más que asequible para poder adaptarse perfectamente al cuerpo. Fijándonos en el ancho del cuerpo, comprobamos que es bastante grueso, lo que va a ayudar en gran medida a obtener un largo sustain. En esta parte posee un binding muy atractivo, común para cualquiera de los acabados que nos ofrecen: blanco vintage, negro y tobacco sunburst. Es en este último acabado del que hacemos el banco. La madera utilizada en el cuerpo es una especie de tilo (basswood) y algo de arce, lo que nos da información sobre el tipo de sonido que se está buscando. El mástil entra en el cuerpo gracias a cuatro tornillos, de una manera completamente estándar, como si de una Fender se tratase. En todos los casos, el denominador común es el mástil de arce, que da una imagen más clara y contrastada, sea cual sea el acabado de la guitarra.
22 trastes cubren todo el diapasón, suficientemente grandes para que sea fácil ejecutar sin problemas cualquier bend, vibrato o una simple nota. La guitarra viene montada con dos pastillas dobles bicolor: cada pastilla doble está formada por dos pastillas simples, de las cuales una es blanca y la otra es negra, resaltando la vista general de la guitarra. El modelo y el fabricante de las pastillas son los mismos de la guitarra, es decir, EVH. El cambio de pastilla consiste en un conmutador tipo Gibson®, posicionado como si fuese una Les Paul®, en la parte superior. La posición del conmutador de pastilla es algo bastante personal, cada uno estará más cómodo en una posición u otra. Personalmente, la posición Les Paul® me parece bastante cómoda, ya que coincide con la trayectoria de mi mano a la hora de tocar, por lo que es perfecto para poder cambiar en cualquier momento de la ejecución. Conviene recordar las diferentes posiciones básicas del conmutador: pastilla de graves, pastilla del centro, es decir, una pastilla simple de la de graves y otra de la de agudos, y la pastilla de agudos. Dos potenciómetros nos permiten controlar el volumen general de la guitarra y el tono de la misma.
Y, por último, el puente flotante, un Floyd Rose que tiene el gran retorno hacia delante pero muy poco hacia atrás, lo que nos va a permitir mantener la afinación, al no estar en equilibrio. Pero el puente nos guarda una sorpresa, y es que podremos bajar un tono la sexta cuerda sin necesidad de tocar ningún clavijero, es decir, de E a D, y usar la guitarra en Drop D, al más puro estilo Van Halen. Además, al usar un Floyd Rose como puente, el hecho de bajar la afinación de una de las cuerdas podría ser un lío, ya que al estar en equilibrio, si alteras alguna cuerda, las demás se verán afectadas. Sin embargo, gracias a la posibilidad que nos ofrece el puente, podremos bajar la sexta cuerda a D sin necesidad de estar reafinando el resto de cuerdas. La propia palanca tiene una medida perfecta, y se adaptará a tu mano sea cual sea el modo en que agarras la palanca, tanto si la utilizas con toda la mano o simplemente con el dedo meñique.
Al mismo tiempo, tenemos las clavijas para fijar las cuerdas en la cejuela: son tres prensas que sujetan dos cuerdas cada una. Mediante una llave de allen, podremos ajustar la presión como cualquier puente Floyd Rose. La pala está construida con una forma bastante atractiva, con ciertos picos dándole un aspecto más rockero. Divide las cuerdas en dos grupos de tres, tipo Gibson, las tres primeras cuerdas en la parte inferior y las tres últimas cuerdas en la parte superior. Los clavijeros son Gotoh® y funcionan a la perfección. Al mismo tiempo, la guitarra viene acompañada por un estuche rígido SKB preparado para la propia guitarra. La EVH viene montada con un juego de cuerdas 9-46, una de las mejores opciones para un Floyd Rose®.
Tacto
Vamos a hablar sobre la experiencia de tocar la EVH y de cómo nos podremos sentir a la hora de ejecutar algo en la guitarra. He de decir que es una guitarra muy cómoda y ergonómica, que parece que se adapta a tu cuerpo. Al tener un mástil un poco más pequeño de lo normal, todo está mucho más recogido y es más manejable. El tacto del mástil me parece muy acertado, prácticamente en madera natural, y hace que tu mano pueda deslizarse sin ningún problema. Al mismo tiempo, los trastes son lo suficientemente grandes para poder hacer unos bendings largos y ejecutar sin ningún problema nuestros ligados. El cambio de pastilla me parece un gran acierto colocarlo a lo Les Paul®, ya que es bastante cómodo para cambiar en cualquier momento de tu ejecución. Al mismo tiempo, parece lo suficientemente robusto como para soportar el maltrato de los cambios de pastilla. La palanca está pensada principalmente para ser utilizada de bajada (aunque se puede tirar hacia atrás, es más habitual hacia el otro lado). La afinación se mantiene perfectamente, sea cual sea la dirección en la que estires la palanca.
Sonido
Pasemos a describir a qué suena la guitarra. Sabiendo de quién es, podemos hacernos una idea de qué sonido nos vamos a encontrar. En otras palabras, si estás buscando una guitarra de jazz, aunque puedas tocar con ésta, no creo que sea tu mejor opción. La guitarra respira rock por todas sus vetas, ya no sólo en el tacto sino en cada nota que toques. Una de las primeras cosas en las que te fijas cuando tocas los primeros acordes es en la facilidad de conseguir armónicos. Sin necesidad de buscarlos muchos, puedes comprobar cómo los tienes a tu disposición, sea cual sea la cuerda y el traste en el que te encuentres.
Otra cosa que vas a ver enseguida es el ataque que tiene la guitarra; en sonidos más limpios o crunch, vas a ver cómo puedes conseguir que todas las notas tengan una presión y ataque perfecto, desde un sonido completamente funky a un sonido crunch completamente marcado. En los sonidos más distorsionados puedes obtener un timbre completamente claro y limpio, sea cual sea la cantidad de distorsión que le apliques. Una de las características muy a tener en cuenta de la guitarra es la facilidad que tiene de poder salir en la mezcla del grupo. Así, sin necesidad de mucho volumen, se te va a oír más fácilmente que en otras situaciones, ya que representa perfectamente las frecuencias características de la guitarra.
Las pruebas las realicé con un Bad Boy de DV Mark®, un amplificador completamente rockero que, junto a esta guitarra, daba una combinación perfecta para resolver cualquier situación donde el ataque y la ganancia vayan de la mano. La pregunta que me surgiría es: Y de sustain, ¿qué tal funciona la guitarra? He de decir que me sorprendió gratamente, ya que si trabajas para conseguir un gran ataque, es difícil tener un largo sustain. Pero en el caso de la EVH está muy conseguido, sobre todo con un sonido largo de distorsión. Además, en las notas más altas -es decir, del traste 12 para adelante-, puedes mantener todo el tiempo que quieras.
Profundizando en cómo suenan las pastillas, es muy importante puntualizar que, al ser construidas específicamente para la guitarra, conservan la esencia y el sonido de Van Halen. La pastilla de graves es realmente agradecida en las frecuencias más bajas, pero definen lo suficiente como para poder ser utilizadas incluso en las cuerdas más graves. Aun siendo las pastillas que suenan más bajas de frecuencias, son ricas en armónicos, lo cual es muy agradecer, sobre todo en un sonido crunch. En un canal limpio, la pastilla de grave suena completamente grande. La pastilla de agudos suena totalmente afilada, perfecta para encontrar los armónicos en la guitarra. Con un sonido limpio, va a sonar bastante útil para funk o country. Con un sonido crunch, te da la posibilidad de conseguir una rítmica completamente afilada. La pastilla de agudos proporciona un sonido saturado, realmente poderoso, y beneficia a que los ligados y sonidos muchos más complicados técnicamente suenen brutales.
Conclusión
Llegados a este punto, podemos decir que la guitarra principalmente derrocha rock y, más específicamente, Van Halen. Tiene un sonido completamente versátil, hasta tal punto que puede ser una guitarra bastante a tener en cuenta, incluso en una circunstancia profesional. Grandes armónicos, un mástil y un cuerpo completamente cómodos, un puente que soporta la afinación y la posibilidad de poder bajar la sexta cuerda a D. El precio, además, hace que la guitarra esté completamente dentro de mercado. Por tanto, si en tu camino te topas con una ejemplar de la EVH, no dudes en probarla, sobre todo si te gusta el rock.
05/02/2011
Fernando Girón
Si pedimos el nombre de cinco guitarristas que hayan sido cruciales para la historia de la música, seguro que en una gran cantidad de respuestas aparecerá el nombre de Van Halen. ¿Qué podemos decir de él que no se haya dicho ya? Por si acaso, vamos a comentar brevemente algo de su vida y milagros: Van Halen comenzó a ser conocido a principios de los 80 gracias a canciones como “Jump”, “Eruption”, “Ain´t talking about love”, etc., donde técnicamente empezó a desarrollar el conocido tapping. Por otro lado, tenía cierta sensibilidad para poder sonar completamente swing dentro de un contexto de rock. Al mismo tiempo, por su banda Van Halen pasaron dos grandes cantantes: David Lee Roth y Sammy Hagar, cada uno dentro de su estilo. Con la guitarra, Van Halen tiene mucha personalidad, y no es que utilice un equipo realmente complicado: guitarra, unos pocos pedales y el cabezal con la pantalla. Por supuesto, más allá de sus dedos, oídos y cabeza, cada uno de los componentes que tiene en su cadena de sonido juega un papel crucial. La EVH Wolfgang Special es una guitarra dentro del sonido Van Halen, muy rock y con una ataque muy agradecido. Podemos decir que es una guitarra que utiliza en la última etapa. Pasemos a describir pieza por pieza la guitarra de nuestro guitar hero.
Descripción técnica
El aspecto de la guitarra es inmejorable: posee un acabado espectacular y muy atractivo. El tamaño es relativamente grande, es decir, es más que una Strato® pero no tanto como una Les Paul®, un tamaño más que asequible para poder adaptarse perfectamente al cuerpo. Fijándonos en el ancho del cuerpo, comprobamos que es bastante grueso, lo que va a ayudar en gran medida a obtener un largo sustain. En esta parte posee un binding muy atractivo, común para cualquiera de los acabados que nos ofrecen: blanco vintage, negro y tobacco sunburst. Es en este último acabado del que hacemos el banco. La madera utilizada en el cuerpo es una especie de tilo (basswood) y algo de arce, lo que nos da información sobre el tipo de sonido que se está buscando. El mástil entra en el cuerpo gracias a cuatro tornillos, de una manera completamente estándar, como si de una Fender se tratase. En todos los casos, el denominador común es el mástil de arce, que da una imagen más clara y contrastada, sea cual sea el acabado de la guitarra.
22 trastes cubren todo el diapasón, suficientemente grandes para que sea fácil ejecutar sin problemas cualquier bend, vibrato o una simple nota. La guitarra viene montada con dos pastillas dobles bicolor: cada pastilla doble está formada por dos pastillas simples, de las cuales una es blanca y la otra es negra, resaltando la vista general de la guitarra. El modelo y el fabricante de las pastillas son los mismos de la guitarra, es decir, EVH. El cambio de pastilla consiste en un conmutador tipo Gibson®, posicionado como si fuese una Les Paul®, en la parte superior. La posición del conmutador de pastilla es algo bastante personal, cada uno estará más cómodo en una posición u otra. Personalmente, la posición Les Paul® me parece bastante cómoda, ya que coincide con la trayectoria de mi mano a la hora de tocar, por lo que es perfecto para poder cambiar en cualquier momento de la ejecución. Conviene recordar las diferentes posiciones básicas del conmutador: pastilla de graves, pastilla del centro, es decir, una pastilla simple de la de graves y otra de la de agudos, y la pastilla de agudos. Dos potenciómetros nos permiten controlar el volumen general de la guitarra y el tono de la misma.
Y, por último, el puente flotante, un Floyd Rose que tiene el gran retorno hacia delante pero muy poco hacia atrás, lo que nos va a permitir mantener la afinación, al no estar en equilibrio. Pero el puente nos guarda una sorpresa, y es que podremos bajar un tono la sexta cuerda sin necesidad de tocar ningún clavijero, es decir, de E a D, y usar la guitarra en Drop D, al más puro estilo Van Halen. Además, al usar un Floyd Rose como puente, el hecho de bajar la afinación de una de las cuerdas podría ser un lío, ya que al estar en equilibrio, si alteras alguna cuerda, las demás se verán afectadas. Sin embargo, gracias a la posibilidad que nos ofrece el puente, podremos bajar la sexta cuerda a D sin necesidad de estar reafinando el resto de cuerdas. La propia palanca tiene una medida perfecta, y se adaptará a tu mano sea cual sea el modo en que agarras la palanca, tanto si la utilizas con toda la mano o simplemente con el dedo meñique.
Al mismo tiempo, tenemos las clavijas para fijar las cuerdas en la cejuela: son tres prensas que sujetan dos cuerdas cada una. Mediante una llave de allen, podremos ajustar la presión como cualquier puente Floyd Rose. La pala está construida con una forma bastante atractiva, con ciertos picos dándole un aspecto más rockero. Divide las cuerdas en dos grupos de tres, tipo Gibson, las tres primeras cuerdas en la parte inferior y las tres últimas cuerdas en la parte superior. Los clavijeros son Gotoh® y funcionan a la perfección. Al mismo tiempo, la guitarra viene acompañada por un estuche rígido SKB preparado para la propia guitarra. La EVH viene montada con un juego de cuerdas 9-46, una de las mejores opciones para un Floyd Rose®.
Tacto
Vamos a hablar sobre la experiencia de tocar la EVH y de cómo nos podremos sentir a la hora de ejecutar algo en la guitarra. He de decir que es una guitarra muy cómoda y ergonómica, que parece que se adapta a tu cuerpo. Al tener un mástil un poco más pequeño de lo normal, todo está mucho más recogido y es más manejable. El tacto del mástil me parece muy acertado, prácticamente en madera natural, y hace que tu mano pueda deslizarse sin ningún problema. Al mismo tiempo, los trastes son lo suficientemente grandes para poder hacer unos bendings largos y ejecutar sin ningún problema nuestros ligados. El cambio de pastilla me parece un gran acierto colocarlo a lo Les Paul®, ya que es bastante cómodo para cambiar en cualquier momento de tu ejecución. Al mismo tiempo, parece lo suficientemente robusto como para soportar el maltrato de los cambios de pastilla. La palanca está pensada principalmente para ser utilizada de bajada (aunque se puede tirar hacia atrás, es más habitual hacia el otro lado). La afinación se mantiene perfectamente, sea cual sea la dirección en la que estires la palanca.
Sonido
Pasemos a describir a qué suena la guitarra. Sabiendo de quién es, podemos hacernos una idea de qué sonido nos vamos a encontrar. En otras palabras, si estás buscando una guitarra de jazz, aunque puedas tocar con ésta, no creo que sea tu mejor opción. La guitarra respira rock por todas sus vetas, ya no sólo en el tacto sino en cada nota que toques. Una de las primeras cosas en las que te fijas cuando tocas los primeros acordes es en la facilidad de conseguir armónicos. Sin necesidad de buscarlos muchos, puedes comprobar cómo los tienes a tu disposición, sea cual sea la cuerda y el traste en el que te encuentres.
Otra cosa que vas a ver enseguida es el ataque que tiene la guitarra; en sonidos más limpios o crunch, vas a ver cómo puedes conseguir que todas las notas tengan una presión y ataque perfecto, desde un sonido completamente funky a un sonido crunch completamente marcado. En los sonidos más distorsionados puedes obtener un timbre completamente claro y limpio, sea cual sea la cantidad de distorsión que le apliques. Una de las características muy a tener en cuenta de la guitarra es la facilidad que tiene de poder salir en la mezcla del grupo. Así, sin necesidad de mucho volumen, se te va a oír más fácilmente que en otras situaciones, ya que representa perfectamente las frecuencias características de la guitarra.
Las pruebas las realicé con un Bad Boy de DV Mark®, un amplificador completamente rockero que, junto a esta guitarra, daba una combinación perfecta para resolver cualquier situación donde el ataque y la ganancia vayan de la mano. La pregunta que me surgiría es: Y de sustain, ¿qué tal funciona la guitarra? He de decir que me sorprendió gratamente, ya que si trabajas para conseguir un gran ataque, es difícil tener un largo sustain. Pero en el caso de la EVH está muy conseguido, sobre todo con un sonido largo de distorsión. Además, en las notas más altas -es decir, del traste 12 para adelante-, puedes mantener todo el tiempo que quieras.
Profundizando en cómo suenan las pastillas, es muy importante puntualizar que, al ser construidas específicamente para la guitarra, conservan la esencia y el sonido de Van Halen. La pastilla de graves es realmente agradecida en las frecuencias más bajas, pero definen lo suficiente como para poder ser utilizadas incluso en las cuerdas más graves. Aun siendo las pastillas que suenan más bajas de frecuencias, son ricas en armónicos, lo cual es muy agradecer, sobre todo en un sonido crunch. En un canal limpio, la pastilla de grave suena completamente grande. La pastilla de agudos suena totalmente afilada, perfecta para encontrar los armónicos en la guitarra. Con un sonido limpio, va a sonar bastante útil para funk o country. Con un sonido crunch, te da la posibilidad de conseguir una rítmica completamente afilada. La pastilla de agudos proporciona un sonido saturado, realmente poderoso, y beneficia a que los ligados y sonidos muchos más complicados técnicamente suenen brutales.
Conclusión
Llegados a este punto, podemos decir que la guitarra principalmente derrocha rock y, más específicamente, Van Halen. Tiene un sonido completamente versátil, hasta tal punto que puede ser una guitarra bastante a tener en cuenta, incluso en una circunstancia profesional. Grandes armónicos, un mástil y un cuerpo completamente cómodos, un puente que soporta la afinación y la posibilidad de poder bajar la sexta cuerda a D. El precio, además, hace que la guitarra esté completamente dentro de mercado. Por tanto, si en tu camino te topas con una ejemplar de la EVH, no dudes en probarla, sobre todo si te gusta el rock.
05/02/2011
jueves, junio 28, 2012
Las siete eras del Rock I PARTE
Fuente: BBC Foto: BDH
Actualmente el canal de cable VH1 se encuentra transmitiendo el documental Seven Ages of Rock, lo cual desde este rinconcito del ciberespacio aplaudimos y recibimos con beneplácito. Se trata de una co-producción entre la BBC Worldwide y VH1 Classic que se estrenó en Mayo del 2007 en el Reino Unido y en Diciembre del mismo año en los Estados Unidos, a través de los canales anteriormente mencionados.
Link de referencia: http://www.rockambul.com/media/las-siete-eras-del-rock.html
http://translate.google.com.mx/translate hl=es&langpair=en|es&u=http://en.wikipedia.org/wiki/Seven_Ages_of_Rock
La serie narra el origen y desarrollo del rock desde una perspectiva que disecciona el género en siete eras o etapas que funcionan tanto en paralelo como puede que a veces se superpongan entre sí; éstas se corresponden con cada uno de los episodios a transmitirse y son: Blues Rock / El Nacimiento del Rock, Art Rock, Punk Rock, Heavy Metal, Rock de Estadio, Rock Alternativo de los EEUU, y Rock Indie Británico.
Cabe recalcar una pequeña diferencia entre las transmisiones realizadas por BBC y VH1: Tienen un primer capítulo diferente. Mientras que los británicos centran el suyo en la llegada de Jimi Hendrix a Inglaterra como punto de partida para el sonido Rock, en la emisión norteamericana el primer capítulo se centra en los Stones, The Animals y The Who; esta es la versión que ha llegado a nosotros.
¿Hay vacíos en el relato de la serie? Me parece que sí, pero lo verdaderamente significativo es que un canal masivo se de el trabajo de abrir los ojos a toda una nueva generación sobre los orígenes de esta música y cultura (indesligable binomio si hablamos de rock).
En estos tiempos en los que basta con entrar en internet y apretar cuatro botones para descargar discografías completas, o ponerse un arete y leer wikipedia para que algunos -por decir lo menos- inocentes muchachos crean que saben de rock desde que nacieron, se vuelve a traer a colación la importancia de documentarse, de conocer, de escuchar y de ver testimonios de primera mano, como los que se presentan en el documental.
Si tu fuiste al concierto de Roger Waters porque te gustan las drogas o al de Riders on The Storm sólo para acompañar a tu papá, sácate ese mechón de la cara para que puedas ver de pies a cabeza lo que es el Rock en serio; invierte un poco de tu tiempo en sumergirte en la historia de The Who, The Stooges, The Rolling Stones, Black Flag, Cream, Black Sabbath,The Clash, Dylan, Hendrix, Grand Funk y tantos otros.
Aquí te dejamos con un video, en el que se usa la canción Rock of Ages de Def Leppard para mostrar imágenes de todas las bandas que figuran en el documental:
El Nacimiento del Rock
| Artistas, en orden de aparición | Chuck Berry |
|---|---|
| Elvis Presley | |
| Jimi Hendrix | |
| Howlin' Wolf | |
| The Rolling Stones | |
| The Yardbirds | |
| Bob Dylan | |
| The Who | |
| Tim Rose | |
| Cream | |
| The Beatles |
Jimi Hendrix creció en Seattle en la década de 1950, y aprendió de música en bares, bajo la influencia de músicos y bandas como Howlin' Wolf, B.B.King y Muddy Waters. El ex miembro de Former Animals, Eric Burdon, dice que Hendrix no era popular en EE.UU. porque era negro, y el blues negro no era popular allí. Mientras tanto, la escena musical inglesa intentaba tocar los registros de blues de Estados Unidos; bandas como The Rolling Stones empezaron a copiar presentaciones de blues americano. Cuando estos empezaron a escribir sus propias canciones, les dieron una orientación más sexual, y el hecho de que blancos tocaran blues lo hizo más aceptable para los EE.UU. Hendrix se muda a Nueva York fuertemente influenciado por el blues británico, en especial por Jeff Beck, de The Yardbirds, y Eric Clapton, que se había hecho famoso con John Mayall's Bluesbreakers. Hendrix vivía en Harlem, por lo que también se vio bajo la influencia de Bob Dylan, cuya canción "Like a Rolling Stone" revolucionó el rock. Esto inspiro a Hendrix a cantar, después de haber sido anteriormente auto-consciente de su voz. Otra banda de Inglaterra que inspiro a la mayoría fue The Who, que creó la moderna etapa teatral; ellos destruían su equipo e instrumentos en el escenario, y golpeaban sus guitarras contra el suelo y a veces contra otras personas. Jimi Hendrix llegó a Londres en 1966, después de haber sido descubierto e invitado por su futuro manager Chas Chandler, integrante de The Animals, con la sola condición de que se dejara presentar a los héroes de la música de Chandler. Hendrix llegó al centro de la escena musical londinense junto con Cream. Luego Chandler fundó The Jimi Hendrix Experience, que se hizo famoso más rápido que cualquier otra banda de rock. A pesar del éxito en Reino Unido, Jimi era ampliamente ignorado en su país, situación que cambió cuando realizó su presentación en el Festival De Monterrey, en pleno verano del amor. The Who había tocado antes que él, con una agresividad nunca antes vista en Estados Unidos. Hendrix sorprendió aún más con su explosivo sonido, y finalizando su actuación incendiando su guitarra. Hacia 1966 The Beatles se habían encerrado en su estudio y se habían transformado, de ser una banda pop, en los pioneros de la psicodelia. Cuando Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band fue lanzado en 1967, Hendrix hizo un cover en uno de sus posteriores shows. Habiendo visto el poder de un álbum de estudio, pasó a grabar Electric Ladyland. Sin embargo, Hendrix estaba cada vez más profundamente hundido en las drogas, y Chas Chandler dejó de ser su manager. En 1968, América y Europa se estaban desgarrando por los conflictos nacionales y en el extranjero. The Rolling Stones aprovechó esa situación como un nuevo fervor creativo, y su actuación el Festival de Altamont se convirtió en uno de los más violentos días en la historia del rock. Altamont pretendió reflejarse en el Festival de Woodstock, donde Hendrix hizo una versión de The Star-Splanged Banner que muchos vieron como una declaración en contra de la guerra de Vietnam. Sin embargo, Hendrix empezaba a cansarse de los escenarios, hecho evidente en el Isle of Wight Festival de 1970. Jimi Hendrix murió de una sobredosis accidental en septiembre de ese año. Junto con las muertes de Jim Morrison y Janis Joplin, y la ruptura de The Beatles, se dio por finalizada la etapa de nacimiento del rock.
Link de referencia: http://www.rockambul.com/media/las-siete-eras-del-rock.html
http://translate.google.com.mx/translate hl=es&langpair=en|es&u=http://en.wikipedia.org/wiki/Seven_Ages_of_Rock
MUSICIAN´S FRIEND
ELECTRO-HARMONIX pedales & válvulas
ELECTRO-HARMONIX
pedales & válvulas
HOT TUBES Así como Electro-Harmonix está reeditando sus viejos éxitos como el Big Muff, el Memory Man, el Poly Chorus, etc. también sigue produciendo nuevos clásicos. El Hot Tubes Overdrive fue el primero de una serie de pedales alimentados con válvulas (el siguiente fue el Tube Zipper, que es un envelope con distorsión). Se trata de un efecto tan extremo como su aspecto. Aquí no hay medias tintas, ya que se trata de un distorsionador con todas las letras. Este Hot Tubes trae dos válvulas 12AX7 Electro-Harmonix hechas en Rusia, las cuales están cubiertas por esa especie de enrejado, que parece haber salido de una ametralladora de Combate!Controles: Son los que trae cualquier amplificador, o sea Master, Gain, Drive, Bass y Treble, con una entrada y una salida. El pedal viene en una caja metálica a prueba de golpes, donde la única parte comprometida podría ser la salida a 220V, donde se enchufa la fuente. Sonidos: Si observamos bien, tenemos tres controles dedicados al nivel de la señal -Master, Gain, Drive- y dos de ecualización. Así que dependiendo de los seteos de estos controles, serán los diferentes tipos de distorsión que obtendremos. Ojo, aquí nada es sutil, ya que hasta la saturación más suave está lejos de ser vintage. Los sonidos obtenidos van del rocanrol hasta el thrash, pasando por el nü metal y el alternativo. Para que se den una idea, armé una tabla de seteos para distintos estilos, siempre con el ampli en el canal limpio y usando el pickup (un Paf Pro) del puente. Ah, un detalle, no existen marcas en los controles, así que las sugerencias están basadas en los lugares donde estarían los números. Para lograr un seteo de saturación suave, conviene subir el Master la mitad, con el Gain y el Driveen 0, con los graves y los agudos en 10. Si lo que buscamos es distorsión, bajamos el Master a 3, subimos el Gain a 5 y dejamos el Drive y al ecualización como estaba. Los siguientes seteos muestran cómo variando uno o dos puntos alguno de los controles, se obtiene un gran cambio en el sonido. Distorsión Stone: Master, Gain y Drive en 3, Bass y Treble en 10. Black Sabbath (Paranoid):Master y Gain en 3, Drive en 5, Bass en 8 y Treble en 10. Drop “D” Tuning: Master en 3, Gain en 5,Drive y Bass en 3, Treble en 7. Iron Maiden (The Trooper): Master y Gain en 3, Drive en 10, Bass en 8 y Treble en 9. Steve Vai: Master en 3, Gain en 7, Drive en 3, Bass y Treble en 8. Q-TRON +  ¿Se acuerdan del Mu-Tron III? Este Q-Tron+ produce entre otros aquel efecto de filtro envolvente (envelope filter). Es muy versátil, y sus múltiples controles permiten al usuario crear una gran variedad de sonoridades. El pedal es similar al Q-Tron normal, sólo que incluye un switch con dos posiciones (Fast & Slow) llamado Attack Response, el cual hace que el filtro responda a las dinámicas del toque de la púa sobre las cuerdas, lo que contribuye a la expresividad en el instrumento.El Q-Ton+ trae true bypass, o sea que cuando el efecto está apagado, la señal de la guitarra no se ve alterada por el pedal. Incluye, a diferencia del Q-Tron normal, un loop de efectos, en el cual se puede colocar algún otro pedal. Este loop funciona entre el preamp y la sección de filtro.. Y como tiene true bypass, al encender el Q-Tron+ se encienden tanto este pedal como el o los que se encuentren en su loop. Es posible seleccionar el rango de frecuencias que uno desea que pasen por el efecto. Están los de Low Pass, Band Pass (medios) y High Pass. Si uno no está conforme con ninguno de ellos, existe un Mix que dejará pasar el seteo de medios mezclado con la señal directa. Si tocás funk, fusion, soul, reggae o cualquier cosa que tenga un "groove", este pedal sumará un agregado muy interesante a tu sonido. HOLY GRAIL  ¿Cómo, todos los equipos no vienen con reverb? Sí, la gran mayoría trae una cámara de reverberancia a resorte. Pero si deseamos algo especial, una reverb en el estilo de la de los viejos Fender, entonces habrá que buscarla en otro lado. Y aquí es donde este Holy Grail entra en acción.Se trata de una compacta reverb digital para guitarra. El pedal cuenta con un pote de nivel del efecto, un led indicador de on/off, y un switch con tres modos: Spring, Plate y Flerb. El primero simula la reverb de resorte, el segundo la reverb que se utilizaba en las viejas grabaciones de los 50's y 60's, mientras que el tercer modo combina reverb con algo de flanger. Este pedal se puede usar tanto en la cadena convencional (guitarra > efecto > ampli) como en el loop de efectos. ¿El resultado? Cuanto más lo usás, más te enviciás con este efecto. VALVULAS  Las válvulas de Electro-Harmonix son fabricadas en Rusia, y están consideradas entre las mejores de la actualidad. Estas válvulas son testeadas tanto en su conductividad como en la cantidad de corriente que corre a través de su placa. Mientras que las de preamp (12AX7) vienen sueltas, las de potencia (EL34, 6L6, 6V6) vienen apareadas con un margen de un 2.5%12AX7: Esta es la típica válvula de preramplificación. Provee alta ganancia con mínimo ruido. El tipo de filamento que esta Electro Harmonix utiliza, elimina el "hum" característico de los amplis alimnetados con corriente alterna (AC). EL34: La clásica válvula de potencia del Marshall o Vox británicos. Exhibe una transición de saturación suave, manteniedo su claridad hasta en nieveles de distorsión extrema. También tiene una respuesta limitada en los medios, dando como resultado el famoso "crunch" asociado con el sonido inglés. Esta EL34 está considerada como una de las más "musicales" de las producidas en la actualidad, con un tono balanceado y mucha potencia. 6L6: Esta es una versión mejorada de la Sovtek 6L6WXT+, con una mejor construcción y performance. Se utiliza e la etapa de amplificación de la mayoría de los equipos de origen norteamericano. 6V6: Utilizada en los viejos equipos Fender, a volumen alto la 6V6 otorga un sonido bastante "sucio", donde los bajos pierden cierta presencia natural. Es por esto que los Fender son más reconocidos por sus sonidos limpios que por los saturados. La 6V6 de Electro-Harmonix combina una cubierta de cátodo especialmente diseñada, junto con el cuidadoso alineamiento de las grillas y del material de triple aleación de la placa. Esta válvula produce una corriente de hasta 475 volts. Escuchá cómo suenan los Electro-Harmonix en http://www.ehx.com/ehx2/Default.asp?q=p&p=%2FCatalog%2F04%5FDistortion%2F09%5FHot%5FTubes http://www.ehx.com/ehx2/Default.asp?q=p&p=%2FCatalog%2F09%S5reverb%SF%26%SFDelay%2F04%SFholy%SFgrail http://www.ehx.com/ehx2/Default.asp?q=p&p=%2FCatalog%2F19%5FFilters%2F14%5FQ%2DTron%2B Informate dónde podés conseguir estos y otros pedales ELECTRO-HARMONIX al siguiente Email:info@fusionmusical.com.ar www.fusionmusical.com.ar  |
www.guitarraonline.com.ar
Webmasters: Pablo pablo@guitarraonline.com.ar
Marcelo Roascio mroascio@guitarraonline.com.ar
Publicidad: Laura Goldar lauragoldar@fibertel.com.ar
Webmasters: Pablo pablo@guitarraonline.com.ar
Marcelo Roascio mroascio@guitarraonline.com.ar
Publicidad: Laura Goldar lauragoldar@fibertel.com.ar
miércoles, junio 27, 2012
Andy Timmons. “El virtuosismo es expresividad”
Entrevistamos al guitarrista para el que combinar técnica y pasión es, simplemente, algo natural.
Andy, a lo largo de la entrevista, nos habla de humanidad, de modestia y de prestar un trato igual a todos sus semejantes. Damos fe de que en efecto lo hace. En el número pasado publicamos un reportaje llamado “Divinos de la muerte”, en el que hablábamos de la tontería que invade a algunos pseudoartistas cuando creen ser importantes. Andy Timmons nos vuelve a ratificar que, generalmente, cuanto más talento y más grande es un artista, más sencillo y cercano se muestra. Queremos agradecerle muy especialmente su amabilidad, dedicación y sabias palabras.
No te pierdas la entrevista, no tiene desperdicio.
Andy Timmons, músico y guitarrista
Parece una obviedad: si eres guitarrista, eres músico. Esto podría matizarse, considerando que un guitarrista puede ser intérprete, compositor, instrumentista o un completo artista. Precisamente esto último es el caso del músico que hoy nos ocupa. Hemos profundizado con él en temas que nos inquietan y de los que solemos hablar: el virtuosismo frente a la expresividad. Andy Timmons es, a nuestros ojos, un ejemplo perfecto para liderar a los músicos que empastan, con maestría, la técnica (velocidad y conocimiento del instrumento) con la trasmisión del mensaje. Ante oídos sensibilizados al arte y la emoción, suele ser casi imposible evitar que los pelos se ericen al escucharle. Nos encanta este guitarrista. Nos apasiona.
La Entrevista
Hola Andy. Es un gran orgullo para nosotros contar contigo en nuestras tertulias entre músicos, un espacio que dedicamos a charlar con aquellas personas realmente implicadas en la música, más allá de los aspectos comerciales. Es un verdadero placer contar con uno de nuestros guitarristas preferidos del panorama mundial. Estamos seguros de que los lectores ISP sabrán exprimir cada una de tus palabras.
Muchos músicos se ven forzados a trabajar como mercenarios para terceros o a colaborar con diversas formaciones para poder vivir de la música ¿Cómo y cuando se está preparado para tomar la decisión de abandonar las bandas y proyectar tu carrera en solitario como guitarrista? ¿Te ha resultado difícil?
Todo esto ocurrió sin que yo pensara mucho en ello. Ya a los 15 años me di cuenta de que era muy importante para mí aprender sobre todos los estilos musicales si quería trabajar como músico de estudio. Me inspiró mucho la revista Guitar Player y sus historias sobre las sesiones de estudio de Tommy Tedesco, Larry Carlton y Steve Lukather. Desde que tenía cinco años, he estado tocando y aprendiendo totalmente de oído, y comencé directamente a tocar rock bastante bien (Ted Nugent, Kiss, Rush, etc.) pero sabía que para tocar en un estudio tenía que ser capaz de leer música y de tocar cualquier estilo, así que me ayudé de un profesor de guitarra de Evansville Indiana, donde crecí. Su nombre es Ron Pritchett y comenzó enseñándome lo básico en lectura musical, además de jazz. Él es un gran admirador de Barney Kessel y Joe Pas; me ponía discos de ellos y transformaba los acordes en estándares de jazz para que yo aprendiera. ¡Fue un periodo de crecimiento muy importante para mí!
Cuando llegó la hora de ir a la universidad, me fui a la local, que ofrecía guitarra clásica. Durante dos años, estudié guitarra clásica con Renato Buturri, seguí tomando clases de jazz con Ron y tocaba tres o cuatro noches por semana en mi banda de rock, The Taylor Bay Band. De ahí me cambié a la Universidad de Miami, donde estudié guitarra de jazz. Era la mejor situación posible: en clase todo el día estudiando y luego conciertos seis veces por semana. Tenía la oportunidad de aplicar todo lo que estaba aprendiendo a un contexto musical real, un factor muy importante para asimilar de verdad aquello que te están enseñando. Sí, ¡la música de Charlie Parker puede sonar genial en una canción de Madonna, ja, ja, ja! De ahí me mudé a Denton, Texas y formé una banda llamada Brinker con el batería Ray Brinker y el bajista Steve Bailey. Esto duró varios años y me condujo finalmente a formar la banda de Andy Timmons, con el batería Mitch Marine y Mike Daane en 1988. En 1989, tuve una oferta de Epic Records para unirme a la banda Danger Danger y esa fue mi primera incursión en la escena musical internacional. Mientras estaba en esa banda, seguía volviendo a Texas para tocar y grabar con mi grupo siempre que tenía tiempo. Mi primer CD en solitario Ear x-tacy fue grabado durante esos años. Desde entonces, he conseguido compaginar las giras y grabaciones con otros artistas (Simon Phillips, LeeAnn Rimes y Olivia Newton-John) y tocar y grabar con mi propia banda. Quiero a las dos por igual pero, por supuesto, pueden llegar a ser situaciones musicales muy diferentes. Afortunadamente, mi carrera en solitario continúa desarrollándose y se me van ofreciendo cada vez más oportunidades.
¿Qué es más importante para ti: el talento o el aprendizaje?
Obviamente, son inseparables. Si tienes un talento natural pero no trabajas duro, no podrás crecer ni como persona ni como músico. Por el contrario, si una persona no tiene una habilidad natural pero trabaja muy duro, puede alcanzar un gran nivel. Los mejores guitarristas de todos los tiempos (Hendrix, Vaughn, Beck, Johnson, Metheny, etc.) parece que nacieron todos con un don, pero luego se dedicaron por entero a la música y a su instrumento. Personalmente, tengo la percepción de que yo sólo he rozado la superficie, y necesito trabajar muchísimo más duro para alcanzar mis objetivos como persona y como músico.
Entre guitarristas, hay un debate que parece ser eterno, y que enfrenta el virtuosismo a la expresión. Hay guitarristas que dedican sus esfuerzos a tocar más rápido que nadie, o a realizar ejecuciones realmente complejas. En tu caso, bajo nuestro punto de vista y según puede leerse en muchos foros de Internet, se valora muy especialmente tu riqueza en el lenguaje en combinación con tu capacidad expresiva. El sentimiento, tu guitarra salida del corazón. ¿Esto es innato o se puede cultivar?
Qué buenas preguntas, ¡ja, ja, ja! Solo porque un guitarrista toque de forma lenta no quiere decir que toque con el alma. Del mismo modo, el hecho de que un guitarrista toque a una gran velocidad no lo convierte en un virtuoso. Creo firmemente que el virtuosismo es expresividad. Al margen de que haya o no velocidad en la ejecución. En mi opinión, Yngwie es tan expresivo como Jim Hall. Dos aproximaciones muy diferentes, pero igual de efectivas. Mi forma de verlo siempre ha sido pensar que estoy pintando de una gran paleta de colores, por así decirlo. Si tocar rápido es rojo, y todo lo que haces es tocar rápido, ¡terminarás con una pintura muy roja! La velocidad es mejor cuando se usa como algo que emociona, no como una técnica de “mira todo lo que soy capaz de hacer”.
Por cierto, ¿virtuosismo o expresividad?
Escucha el nuevo CD de Jeff Beck Emotion and Commotion. Su forma de tocar ahí es la ejemplificación de cómo virtuosismo y expresividad pueden combinarse del modo más bello.
Tu música es sincera; consigues transmitir tus sentimientos cuando tocas ¿Cómo se hace eso?
Lo primero, ¡gracias por el cumplido! Ésta es una pregunta muy difícil de responder porque éstas son cosas sobre las que no suelo pensar, simplemente ocurren. Lo que sí sé es que siempre es mejor cuando toco algo que es natural para mí, y no lo que creo que la gente quiere oír. De este modo, sonarás honesto. ¡Y el público siempre nota la diferencia!
¿Quién es Andy Timmons y qué le caracteriza?
¡Creo que esta pregunta es mejor que la responda otro! Supongo que el resumen podría ser que soy alguien que trata de llevar una buena vida, poniendo siempre a los otros en primer lugar. Tratando a todo el mundo por igual, con respeto y compasión. Soy muy humano. Siento las cosas de una manera muy profunda y tengo muchos altibajos. En realidad, es un poco difícil vivir así, pero yo no cambiaría nada. Todas estas experiencias las expreso a través de mi música.
¿Cómo se puede cultivar un estilo propio? ¿Existe alguna fórmula?
Creo que cada uno de nosotros es el resultado de todo lo que absorbe y experimenta a lo largo de su vida. Eric Clapton vivió el blues, Stevie Ray absorbió el blues y a Hendrix y los combinó a su manera. Creo que la clave para desarrollar un estilo propio es escuchar a una gran variedad de artistas. Si solo te focalizas en uno, acabarás convirtiéndote en una mera sombra del original. Aprende tantas canciones como te sea posible de diferentes géneros musicales. Yo he tocado mucho jazz a lo largo de los años y eso ha influido muchísimo en mi manera de tocar cualquier otro estilo.
La edad suele afectar, tal vez por la experiencia, al resultado final de los discos. ¿Cómo ha evolucionado tu trayectoria? ¿En qué momento estás ahora?
Siento que mi carrera continúa creciendo, aunque debo admitir que es algo a lo que no presté demasiada atención durante muchos años. Después de mis años en Danger Danger me di cuenta de que el negocio de la música no iba mucho conmigo. Yo sólo quería la parte de la música y decidí hacer sólo lo que musicalmente me interesara para poder ser artísticamente feliz, y no andar preocupado por todas las pequeñas trampas del negocio. Posiblemente, eso ha hecho que no sea muy famoso, pero estoy muy orgulloso de mi trabajo. No comencé a tocar la guitarra para hacerme famoso. La toco porque me gusta y porque es mi mayor forma de expresión. A pesar de todo esto, las cosas continúan yendo cada vez mejor. Estoy muy sorprendido de la cantidad de personas que parecen conectar con mi música, y muy emocionado con los nuevos discos en los que estoy trabajando. El CD Andy Timmons Band Plays Sgt. Pepper saldrá en enero de 2011 en exclusiva en www.andytimmons.com.
Muchos músicos piensan que el verdadero reto está en la guitarra sin excesivo efecto: la guitarra, el ampli y tú. Eso es lo que en España algunos flamencos llaman “tocar muy verdad”. ¿Qué opinión te merece?
Estoy de acuerdo con esto hasta cierto punto. Sin embargo, no pienso que porque Edge use muchos efectos su música sea menos relevante. Creo que supone un reto mayor tocar con menos cosas, y últimamente estoy tocando más de esta manera. ¡Pero me siguen fascinando mis echoplexes!
¿Prefieres el estudio o el directo?
No tengo preferencia. Ambos son igualmente gratificantes.
¿Hasta qué punto es importante el equipo para imprimir tu personalidad? ¿Qué tiene que aportarte una guitarra para hacerte sentir cómodo? ¿Y el ampli?
He notado que mi guitarra es el elemento clave que influye en mi comodidad. Los amplificadores vienen en segundo lugar y, por último, los efectos. ¡Tengo que tener imperativamente mi AT100 para sacar lo mejor de mí!
Se rumorea en la red de redes que tus guitarras suelen estar afinadas medio tono por debajo del estándar. La natural. Se comenta que algunos guitarristas realizan esta práctica para ganar cuerpo y grosor en el sonido. ¿Afinas realmente medio tono abajo tus instrumentos?
No, por lo general, mis guitarras están afinadas en el estándar. Aunque es cierto que había algunas canciones en mi primer CD Ear X-tacy que sí que estaban afinadas medio tono por debajo.
¿Qué parte de ti refleja tu último disco?
¡Espero que todas las partes! Estoy muy orgulloso de Resolution musicalmente, espiritualmente y en cuanto a sonido.
¿Dónde podemos encontrar tu calendario de conciertos? ¿Tienes pensado tocar en Europa?
En andytimmons.com siempre tenemos información sobre los próximos conciertos. Actualmente estamos planeando dos giras por Europa para 2011. Creo que estaré en España en marzo o abril del año que viene. ¡Espero veros por allí!
Por último, dejamos este espacio abierto para que expreses libremente tu opinión. El mundo de la música es casi siempre duro, y muchos de los que empiezan se desaniman ante las asperezas del camino. ¿Cuáles son tus consejos para aprender, no rendirse y llegar a ser un gran músico?
Ya he mencionado anteriormente algunas claves para continuar: Toca porque te gusta hacerlo. Si siempre tienes esto en mente, disfrutarás tocando y nunca lo verás como un trabajo. Toca lo que está en tu corazón. Aprende de oído tantas canciones como puedas para desarrollar la plasmación de lo que estás escuchando en las cuerdas de la guitarra. Equilibra el tiempo que pasas practicando tú solo con el tiempo que pasas tocando con otros músicos. Todo es cuestión de aplicación, de aplicar tus ideas en una situación musical.
Con nuestra mayor admiración y respeto, aprovechamos para darte las gracias en nombre de todos los lectores de ISP Música, y para hacerte saber que consigues despertar grandes emociones en nosotros cuando te escuchamos. Eres grande. Muchas gracias, Andy, y hasta pronto.
¡Gracias a vosotros, chicos! ¡Aprecio muchísimo vuestro interés por mi música!
Andy utiliza
Guitarras Ibanez
Amplificación Mesa Boogie
Cuerdas D’Adario
Dunlop
DiMarzio
Andy Timmons biografía : http://www.andytimmons.com/bio.php
02/11/2010
David Martín
Entrevistamos al guitarrista para el que combinar técnica y pasión es, simplemente, algo natural.
Andy, a lo largo de la entrevista, nos habla de humanidad, de modestia y de prestar un trato igual a todos sus semejantes. Damos fe de que en efecto lo hace. En el número pasado publicamos un reportaje llamado “Divinos de la muerte”, en el que hablábamos de la tontería que invade a algunos pseudoartistas cuando creen ser importantes. Andy Timmons nos vuelve a ratificar que, generalmente, cuanto más talento y más grande es un artista, más sencillo y cercano se muestra. Queremos agradecerle muy especialmente su amabilidad, dedicación y sabias palabras.
No te pierdas la entrevista, no tiene desperdicio.
Andy Timmons, músico y guitarrista
Parece una obviedad: si eres guitarrista, eres músico. Esto podría matizarse, considerando que un guitarrista puede ser intérprete, compositor, instrumentista o un completo artista. Precisamente esto último es el caso del músico que hoy nos ocupa. Hemos profundizado con él en temas que nos inquietan y de los que solemos hablar: el virtuosismo frente a la expresividad. Andy Timmons es, a nuestros ojos, un ejemplo perfecto para liderar a los músicos que empastan, con maestría, la técnica (velocidad y conocimiento del instrumento) con la trasmisión del mensaje. Ante oídos sensibilizados al arte y la emoción, suele ser casi imposible evitar que los pelos se ericen al escucharle. Nos encanta este guitarrista. Nos apasiona.
La Entrevista
Hola Andy. Es un gran orgullo para nosotros contar contigo en nuestras tertulias entre músicos, un espacio que dedicamos a charlar con aquellas personas realmente implicadas en la música, más allá de los aspectos comerciales. Es un verdadero placer contar con uno de nuestros guitarristas preferidos del panorama mundial. Estamos seguros de que los lectores ISP sabrán exprimir cada una de tus palabras.
Muchos músicos se ven forzados a trabajar como mercenarios para terceros o a colaborar con diversas formaciones para poder vivir de la música ¿Cómo y cuando se está preparado para tomar la decisión de abandonar las bandas y proyectar tu carrera en solitario como guitarrista? ¿Te ha resultado difícil?
Todo esto ocurrió sin que yo pensara mucho en ello. Ya a los 15 años me di cuenta de que era muy importante para mí aprender sobre todos los estilos musicales si quería trabajar como músico de estudio. Me inspiró mucho la revista Guitar Player y sus historias sobre las sesiones de estudio de Tommy Tedesco, Larry Carlton y Steve Lukather. Desde que tenía cinco años, he estado tocando y aprendiendo totalmente de oído, y comencé directamente a tocar rock bastante bien (Ted Nugent, Kiss, Rush, etc.) pero sabía que para tocar en un estudio tenía que ser capaz de leer música y de tocar cualquier estilo, así que me ayudé de un profesor de guitarra de Evansville Indiana, donde crecí. Su nombre es Ron Pritchett y comenzó enseñándome lo básico en lectura musical, además de jazz. Él es un gran admirador de Barney Kessel y Joe Pas; me ponía discos de ellos y transformaba los acordes en estándares de jazz para que yo aprendiera. ¡Fue un periodo de crecimiento muy importante para mí!
Cuando llegó la hora de ir a la universidad, me fui a la local, que ofrecía guitarra clásica. Durante dos años, estudié guitarra clásica con Renato Buturri, seguí tomando clases de jazz con Ron y tocaba tres o cuatro noches por semana en mi banda de rock, The Taylor Bay Band. De ahí me cambié a la Universidad de Miami, donde estudié guitarra de jazz. Era la mejor situación posible: en clase todo el día estudiando y luego conciertos seis veces por semana. Tenía la oportunidad de aplicar todo lo que estaba aprendiendo a un contexto musical real, un factor muy importante para asimilar de verdad aquello que te están enseñando. Sí, ¡la música de Charlie Parker puede sonar genial en una canción de Madonna, ja, ja, ja! De ahí me mudé a Denton, Texas y formé una banda llamada Brinker con el batería Ray Brinker y el bajista Steve Bailey. Esto duró varios años y me condujo finalmente a formar la banda de Andy Timmons, con el batería Mitch Marine y Mike Daane en 1988. En 1989, tuve una oferta de Epic Records para unirme a la banda Danger Danger y esa fue mi primera incursión en la escena musical internacional. Mientras estaba en esa banda, seguía volviendo a Texas para tocar y grabar con mi grupo siempre que tenía tiempo. Mi primer CD en solitario Ear x-tacy fue grabado durante esos años. Desde entonces, he conseguido compaginar las giras y grabaciones con otros artistas (Simon Phillips, LeeAnn Rimes y Olivia Newton-John) y tocar y grabar con mi propia banda. Quiero a las dos por igual pero, por supuesto, pueden llegar a ser situaciones musicales muy diferentes. Afortunadamente, mi carrera en solitario continúa desarrollándose y se me van ofreciendo cada vez más oportunidades.
¿Qué es más importante para ti: el talento o el aprendizaje?
Obviamente, son inseparables. Si tienes un talento natural pero no trabajas duro, no podrás crecer ni como persona ni como músico. Por el contrario, si una persona no tiene una habilidad natural pero trabaja muy duro, puede alcanzar un gran nivel. Los mejores guitarristas de todos los tiempos (Hendrix, Vaughn, Beck, Johnson, Metheny, etc.) parece que nacieron todos con un don, pero luego se dedicaron por entero a la música y a su instrumento. Personalmente, tengo la percepción de que yo sólo he rozado la superficie, y necesito trabajar muchísimo más duro para alcanzar mis objetivos como persona y como músico.
Entre guitarristas, hay un debate que parece ser eterno, y que enfrenta el virtuosismo a la expresión. Hay guitarristas que dedican sus esfuerzos a tocar más rápido que nadie, o a realizar ejecuciones realmente complejas. En tu caso, bajo nuestro punto de vista y según puede leerse en muchos foros de Internet, se valora muy especialmente tu riqueza en el lenguaje en combinación con tu capacidad expresiva. El sentimiento, tu guitarra salida del corazón. ¿Esto es innato o se puede cultivar?
Qué buenas preguntas, ¡ja, ja, ja! Solo porque un guitarrista toque de forma lenta no quiere decir que toque con el alma. Del mismo modo, el hecho de que un guitarrista toque a una gran velocidad no lo convierte en un virtuoso. Creo firmemente que el virtuosismo es expresividad. Al margen de que haya o no velocidad en la ejecución. En mi opinión, Yngwie es tan expresivo como Jim Hall. Dos aproximaciones muy diferentes, pero igual de efectivas. Mi forma de verlo siempre ha sido pensar que estoy pintando de una gran paleta de colores, por así decirlo. Si tocar rápido es rojo, y todo lo que haces es tocar rápido, ¡terminarás con una pintura muy roja! La velocidad es mejor cuando se usa como algo que emociona, no como una técnica de “mira todo lo que soy capaz de hacer”.
Por cierto, ¿virtuosismo o expresividad?
Escucha el nuevo CD de Jeff Beck Emotion and Commotion. Su forma de tocar ahí es la ejemplificación de cómo virtuosismo y expresividad pueden combinarse del modo más bello.
Tu música es sincera; consigues transmitir tus sentimientos cuando tocas ¿Cómo se hace eso?
Lo primero, ¡gracias por el cumplido! Ésta es una pregunta muy difícil de responder porque éstas son cosas sobre las que no suelo pensar, simplemente ocurren. Lo que sí sé es que siempre es mejor cuando toco algo que es natural para mí, y no lo que creo que la gente quiere oír. De este modo, sonarás honesto. ¡Y el público siempre nota la diferencia!
¿Quién es Andy Timmons y qué le caracteriza?
¡Creo que esta pregunta es mejor que la responda otro! Supongo que el resumen podría ser que soy alguien que trata de llevar una buena vida, poniendo siempre a los otros en primer lugar. Tratando a todo el mundo por igual, con respeto y compasión. Soy muy humano. Siento las cosas de una manera muy profunda y tengo muchos altibajos. En realidad, es un poco difícil vivir así, pero yo no cambiaría nada. Todas estas experiencias las expreso a través de mi música.
¿Cómo se puede cultivar un estilo propio? ¿Existe alguna fórmula?
Creo que cada uno de nosotros es el resultado de todo lo que absorbe y experimenta a lo largo de su vida. Eric Clapton vivió el blues, Stevie Ray absorbió el blues y a Hendrix y los combinó a su manera. Creo que la clave para desarrollar un estilo propio es escuchar a una gran variedad de artistas. Si solo te focalizas en uno, acabarás convirtiéndote en una mera sombra del original. Aprende tantas canciones como te sea posible de diferentes géneros musicales. Yo he tocado mucho jazz a lo largo de los años y eso ha influido muchísimo en mi manera de tocar cualquier otro estilo.
La edad suele afectar, tal vez por la experiencia, al resultado final de los discos. ¿Cómo ha evolucionado tu trayectoria? ¿En qué momento estás ahora?
Siento que mi carrera continúa creciendo, aunque debo admitir que es algo a lo que no presté demasiada atención durante muchos años. Después de mis años en Danger Danger me di cuenta de que el negocio de la música no iba mucho conmigo. Yo sólo quería la parte de la música y decidí hacer sólo lo que musicalmente me interesara para poder ser artísticamente feliz, y no andar preocupado por todas las pequeñas trampas del negocio. Posiblemente, eso ha hecho que no sea muy famoso, pero estoy muy orgulloso de mi trabajo. No comencé a tocar la guitarra para hacerme famoso. La toco porque me gusta y porque es mi mayor forma de expresión. A pesar de todo esto, las cosas continúan yendo cada vez mejor. Estoy muy sorprendido de la cantidad de personas que parecen conectar con mi música, y muy emocionado con los nuevos discos en los que estoy trabajando. El CD Andy Timmons Band Plays Sgt. Pepper saldrá en enero de 2011 en exclusiva en www.andytimmons.com.
Muchos músicos piensan que el verdadero reto está en la guitarra sin excesivo efecto: la guitarra, el ampli y tú. Eso es lo que en España algunos flamencos llaman “tocar muy verdad”. ¿Qué opinión te merece?
Estoy de acuerdo con esto hasta cierto punto. Sin embargo, no pienso que porque Edge use muchos efectos su música sea menos relevante. Creo que supone un reto mayor tocar con menos cosas, y últimamente estoy tocando más de esta manera. ¡Pero me siguen fascinando mis echoplexes!
¿Prefieres el estudio o el directo?
No tengo preferencia. Ambos son igualmente gratificantes.
¿Hasta qué punto es importante el equipo para imprimir tu personalidad? ¿Qué tiene que aportarte una guitarra para hacerte sentir cómodo? ¿Y el ampli?
He notado que mi guitarra es el elemento clave que influye en mi comodidad. Los amplificadores vienen en segundo lugar y, por último, los efectos. ¡Tengo que tener imperativamente mi AT100 para sacar lo mejor de mí!
Se rumorea en la red de redes que tus guitarras suelen estar afinadas medio tono por debajo del estándar. La natural. Se comenta que algunos guitarristas realizan esta práctica para ganar cuerpo y grosor en el sonido. ¿Afinas realmente medio tono abajo tus instrumentos?
No, por lo general, mis guitarras están afinadas en el estándar. Aunque es cierto que había algunas canciones en mi primer CD Ear X-tacy que sí que estaban afinadas medio tono por debajo.
¿Qué parte de ti refleja tu último disco?
¡Espero que todas las partes! Estoy muy orgulloso de Resolution musicalmente, espiritualmente y en cuanto a sonido.
¿Dónde podemos encontrar tu calendario de conciertos? ¿Tienes pensado tocar en Europa?
En andytimmons.com siempre tenemos información sobre los próximos conciertos. Actualmente estamos planeando dos giras por Europa para 2011. Creo que estaré en España en marzo o abril del año que viene. ¡Espero veros por allí!
Por último, dejamos este espacio abierto para que expreses libremente tu opinión. El mundo de la música es casi siempre duro, y muchos de los que empiezan se desaniman ante las asperezas del camino. ¿Cuáles son tus consejos para aprender, no rendirse y llegar a ser un gran músico?
Ya he mencionado anteriormente algunas claves para continuar: Toca porque te gusta hacerlo. Si siempre tienes esto en mente, disfrutarás tocando y nunca lo verás como un trabajo. Toca lo que está en tu corazón. Aprende de oído tantas canciones como puedas para desarrollar la plasmación de lo que estás escuchando en las cuerdas de la guitarra. Equilibra el tiempo que pasas practicando tú solo con el tiempo que pasas tocando con otros músicos. Todo es cuestión de aplicación, de aplicar tus ideas en una situación musical.
Con nuestra mayor admiración y respeto, aprovechamos para darte las gracias en nombre de todos los lectores de ISP Música, y para hacerte saber que consigues despertar grandes emociones en nosotros cuando te escuchamos. Eres grande. Muchas gracias, Andy, y hasta pronto.
¡Gracias a vosotros, chicos! ¡Aprecio muchísimo vuestro interés por mi música!
Andy utiliza
Guitarras Ibanez
Amplificación Mesa Boogie
Cuerdas D’Adario
Dunlop
DiMarzio
Andy Timmons biografía : http://www.andytimmons.com/bio.php
02/11/2010
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
BOLSA DE TRABAJO
The spirit of art in technology
Guitars
KORG MUSIC SYNTHESIZER
Visita Coatzacoalcos
