VOX Virage SSC-33 VC. El vintage del futuro.

Román Vega

Poco hay que decir para presentar a una de las grandes marcas en el mundo de la guitarra: VOX. Conocida muy en especial por su amplificación, de sabor clásico, británico y con un sonido preciado e inconfundible. El mejor, para muchos.

Partiendo de esta referencia de peso extremo, nuestra curiosidad se hizo enorme cuando empezamos a conocer los desarrollos en guitarra eléctrica de la firma. Hoy, satisfaciendo ese deseo al máximo, hemos metido en banco de pruebas a una de estas piezas. En concreto la Vox Virage que será entregada a uno de los ganadores de la VI Edición del Concurso de Solos de Guitarra ISP Música. Curioseemos el “bicho”…

Introducción
La serie 33 es similar en acabado a la 55, guitarras Vox de cuerpo macizo. Se trata de una familia de instrumentos que se esfuerza en ofrecer lo más puntero en las tecnologías aplicadas por la marca, ajustando el precio a lo más cercano posible al músico que se lo tiene que currar mucho para poder comprar. La serie 33 está disponible en varios acabados, en arce y caoba, o caoba sola, varios colores y en formato double o single cutaway. El modelo que nos ocupa hoy es en concreto el Vintage cream con un único cutaway.

La intención de esta familia de guitarras es conseguir la armonía perfecta entre el vintage, el sonido más apreciado por muchos de los guitarristas pero sin caer en las reproducciones baratas de instrumentos obsoletos. La evolución, tanto en el diseño, ergonomía, ensamblaje, electrónica etc. ofrecen posibilidades más confortables y flexibles que la de los instrumentos de hace 40 años. Así que detectamos un esfuerzo por ofrecer calidad, tradición, sonido, tecnología y precio.

Construcción y acabado
La guitarra está construida en cuerpo de caoba, lo cual le procura una buena densidad tonal y un sabroso sustain. Como mencionaba un poco más arriba, el sabor general del instrumento es retro, también en su diseño y estética. No obstante, hay muchos detalles de construcción que hacen que la guitarra sea más accesible y cómoda de tocar: Tanto de pie, como sentado. Esto parece una chorrada en la que a veces los guitarristas no caemos, pero el hecho de que el instrumento esté bien pensado para que se acople a nuestro cuerpo y podamos tocar cómodamente en directo, estudio etc., hace que nuestra interpretación pueda ser más fluida.

Vox ha elegido un mástil de 683 milímetros en esta ocasión para procurar buen equilibrio entre el brillo armónico y la claridad, así como confort en la ejecución de nuestros pases.

Con referencia al puente, encontramos el VOX MaxConnect, fabricado en una aleación de aluminio que maximiza las posibilidades de tono y sostenimiento. También se han preocupado por ofrecer un amplio rango de ajuste en el sillín del puente, lo que nos permite instalar cualquier tipo de calibre de cuerda; con la configuración precisa, funcionara de lujo (sea la que sea).

Electrónica
Este es otro de los aspectos más desarrollados de la guitarra. Las pastillas CoAxe brindan dos tonos especialmente diferenciados. Uno de ellos es especialmente brillante, con un portentoso (divino diría incluso) ataque. Conseguimos un punto distinto entre algo más limpio y una segunda opción más “peleona” y agresiva.

Para controlar las pastillas (puente y mástil) disponemos de los siguientes elementos:

- Potenciómetro de volumen
- Potenciómetro de tono
- Selector de pastilla (puente, mástil y ambas)
- Selección de modo (limpio y solo)

Servicio
Hay varios detalles más que considero importantes con respecto al instrumento. Además de sus características técnicas y acústicas (que remato más abajo), me parece importante tener en cuenta que, en el caso de decidirnos por este instrumento, contamos con el respaldo de la marca VOX, y de su importador Letusa. Ambos, pesos pesados en el sector del instrumento musical. Ello proporciona ciertas garantías añadidas.

Entre otras y para que esto no suene a eco vacío, constato que el instrumento viene en una confortable funda, elegante, blanda pero con un refuerzo en la parte trasera para proteger debidamente la guitarra.

También disponemos de un manual en castellano, indicando todos los aspectos de la pieza que acabamos de comprar y un detallado capítulo sobre cómo ajustar el mástil y puente en el caso de querer personalizar el calibre de las cuerdas. De serie, encontramos juegos 0,010 - 0,046. Lógicamente la VOX Virage viene exactamente ajustada para ese formato. Si tú necesitas meter un 0,09 o vas por la línea gruesa, únicamente tienes que reajustar para mantener todos los parámetros de calidad que la guitarra te brinda.

Las pruebas
Enchufé la guitarra a un ampli de válvulas con un recinto de altavoces 4x12”. La caja de cuatro altavoces le procuraba un tono grueso y potente, combinado con un maestro y excelente brillo que nos proporciona la VOX. Me encanta ese empaque brillante, la pegada que podemos llegar a conseguir. Con la Virage SSC 33 podemos pulsar una misma nota en un amplio rango dinámico. Es decir, que tenemos un abanico extremo a la hora de interpretar y, por tanto, nuestros fraseos pueden estar llenos de gran cantidad de matices que en otro instrumento más plano y pobretón se perderían.

El sonido me resulta especialmente atractivo para blues, funk y rollos de onda británica. Es una guitarra punzante, afilada pero muy equilibrada. El empaste entre graves y agudos es muy armónico y la ejecución se hace confortable a la hora de expresar “detalle”. Es como cuando golpeas una caja de batería, puedes obtener un golpe plano sistemático y repetido, o puedes encontrar una caja (e instrumentista que sepa hacerlo) que saque mil sonidos de la misma pieza, con armónicos, con toque del aro, más denso, más fino, con más toque de baqueta, más definición… Esto hará que en un break o, incluso sin hacer grandes filigranas aparentes, se consiga una cantidad de matices impresionantes. No sé si me expreso con claridad, pero esto mismo es lo que tiene la Vox Virage SSC 33 VC.

El hecho de que tenga ataque no quiere decir que no pueda ser atenuado, reduciendo agudos, seleccionando la pastilla más densa, y utilizando el selector de “modo” para configurar algo más apagado o chirriante. Tú eliges.

Por último, creo que es elemental subrayar su excelente octavación, estabilidad en afinación, comodidad a la hora de buscar armónicos, sostenimiento, etc.

Conclusiones
Queda poco que decir que no esté dicho ya. Garantía del fabricante, de su distribuidor por solera y saber hacer. Instrumento competitivo, “con pedigree”, estable en afinación y equilibrio tonal. Su diseñador o equipo ha buscado mantener el sabor VOX, lanzando un instrumento capaz de ofrecer mucho matiz, buena construcción y una extraordinaria relación calidad / precio.

Probablemente no es una de las guitarras más versátiles que he probado, pero para una buena variedad de desarrollos y estilos (pop, rock, blues, funk, incluso jazz) da cera con creces a otras que doblan su precio.

Especialmente si te enrolla la onda Vox, no puedes perderte este guitarrón. Y si no sabes con precisión de qué va, ve a la tienda y prueba. Lo que te ofrece en relación a lo que cuesta es digno de consideración y, si no, que nos lo cuente el ganador de la VI edición del concurso de solos de guitarra cuando se la lleve por la patilla a casa. ¿No has mandado tu solo aún? Pues ya tardas tronco. Puedes llevarte esta guitarra tú, gratis y ya.


25/06/2012 

Link de referencia: http://www.ispmusica.com/articulo.asp?id=2209

Ya puedes comprar tu música en Google

Google Music anuncia que “ya se pueden comprar millones de canciones en el Android Market” con lo que entra así a competir con Apple y Amazon en el mercado de la música digital. De momento, este servicio únicamente se encuentra disponible en Estados Unidos, aunque Google Music se irá implantando poco a poco en teléfonos móviles y tabletas con el sistema operativo Android.

Hace meses que Google comenzó las negociaciones con las compañías discográficas intentando llegar a un acuerdo para lanzar su propio servicio de música en la nube. Ahora, lo ha conseguido con Sony Music Entertainment, Universal Music Group, EMI Music y 23 discográficas independientes. Sin embargo, Warner Music Group ha preferido quedarse al margen.

Google Music permitirá la descarga de canciones individuales a partir de 69 céntimos en Estados Unidos. Asimismo, los usuarios de Android podrán compartir hasta un total de 20.000 temas de forma gratuita. Además, el servicio ofrecerá ocho millones de canciones, un número que ascenderá hasta los 13 millones en los próximos meses.


26/12/2011 

El poder del Blues. Una entrevista con Gary Moore.

El poder del Blues. Una entrevista con Gary Moore.

Courtney Grimes

Desde la década de los 60, el rockero británico Gary Moore ha interpretado todo el espectro de la guitarra, desde las cuerdas poderosas del rock duro de Skid Row a las sesiones de improvisación de Los Hermanos Allman. Comenzó su carrera apasionado por Elvis, los Beatles y el rock and roll de los 60, y poco después desarrolló interés en toda clase de música, incluyendo soul y funk. Aunque Gary ama todos los géneros, tiene una profunda conexión con la conmovedora verdad de los blues.
En su nuevo álbum, El Poder de los Blues, Gary ha echado mano de su fuente constante de inspiración -la vida- para producir su album más salvaje hasta ahora. Con piestas como "I Cant Quit You, Baby" ("No te puedo dejar, nena"), "Theres a Hole," ("Hay un Agujero"), y la pista que da nombre al álbum, continúa demostrando su habilidad para combinar blues con rock y funk. Actualmente está bajo fisioterapia por una herida en una mano el año pasado, y dedicó algunos minutos a conversar sobre las grandes bandas, siendo "la pistola más rápida en el oeste," y encontrando inspiración en los sitios más extraños.

¿Cómo está su mano? ¿Qué sucedió?
Me lastimé la mano el año pasado y fui a que me pusieran una inyección. Terminé cogiendo una infección debido a la inyección y mi mano se hinchó. Estuve tomando antibióticos. ¡Ha sido muy doloroso! Tuve que hacer fisioterapia porque mi mano se cerró en la misma posición. Aún voy una vez por semana aproximadamente, pero estuve yendo unas tres veces por semana. Incluso no pude tocar por semanas.

Compare su época con Skid Row con su época con Thin Lizzie.
Bien, había un denominador común con Phil (Lynott) porque él estaba en ambas bandas. Pero eran bandas muy distintas. Skid Row era mucho más parecida a una banda de sesiones de improvisación y Thin Lizzy era mucho más estructurada. Cuando me incorporé, era mucho más rígida en los arreglos. Tocábamos más en la tradición de Cream y Hendrix, y con Thin Lizzy la música se inspiraba más en el aspecto poético de la música irlandesa, de modo que había bastante diferencia entre las dos bandas.

¿Cómo se sentía siendo parte de Skid Row con sólo 16 años?
Tuve que abandonar mi casa y vivía a 150 km. de Belfast en mi propio apartamento. Tenía un cuarto con una lamparilla de luz roja. Era genial porque de repente, de la noche a la mañana, tocaba tanto como quería, y salía por ahí todo lo que quería. Había ciertas personas en la banda que no me gustaban. Era la banda del bajista y él quería que yo fuera "la pistola más rápida en el oeste" y toda esa m....a Y a mí no me interesaba eso, de modo que casi me sentía como si en cierta forma me estaban manipulando. Cuando él mismo se me presentó y me dijo (Skid Row) necesitaba un guitarrista, le pregunté si tocaban blues. Me dijo que no tocaban blues, por lo que le dije no, que no estaba interesado. Pero Phil me atrajo hacia la banda, y tenían algunos aspectos interesantes. Y después Phil se marchó, bien... después de eso era un poco extraño. Sin embargo, dimos algunos buenos conciertos.

¿Qué edad tenía cuando aprendió a tocar la guitarra?
Empecé cuando tenía diez años. Mi padre tenía un salón de baile en Holywood y un viernes regresó del trabajo y me preguntó, "¿Te gustaría aprender a tocar la guitarra?" Tenía un amigo que estaba aprendiendo a tocar la guitarra y este tío me enseñó el acorde de La, con sólo tres dedos allí juntos. Y simplemente todo comenzó allí. Realmente no tuve ninguna formación formal. Sólo escuchaba mucho los discos viejos y volvía loca a la gente.

¿Qué le hizo querer aprender?
Sencillamente amaba el sonido de la guitarra. El salón de baile de mi padre tuvo mucho que ver con eso. El me había estado llevando allí desde que tenía unos cinco o seis años. Teníamos bandas que iban allí, grandes secciones de metales, e igualmente había tíos más viejos vistiendo traje y todo eso, pero siempre tenían guitarra. De modo que estuve expuesto a la música en vivo desde pequeño. Me sentaba en el colegio con cinco, seis, siete, años y pensaba en guitarras todo el tiempo. De modo que era algo muy importante para mí incluso antes de aprender a tocarla.

¿Quiénes fueron sus influencias musicales más importantes?
Cuando comencé, había solamente gente como Hank Marvin en mi generación. Y de allí salté a George Harrison porque realmente amaba a los Beatles y entonces, inmediatamente después, estaban los blues británicos con Jeff Beck, Clapton, Peter Green y luego Hendrix quienes sencillamente abrieron por completo el camino. Yo simplemente estaba más o menos armando mi propio estilo. Estoy seguro que (mis influencias) surgieron en mi propia manera de tocar sin que yo siquiera me diera cuenta de ello. Me encantan también los reyes del blues como Albert King, B.B. King, Albert Collins... amo toda la música, realmente. Hay un viejo cliché de que sólo hay dos clases de música -la buena y la mala. Estoy de acuerdo con eso. Todo está allí para disfrutarlo, sólo hay que tener una mente abierta.

¿Hay alguien que está escuchando ahora, que pensó que nunca lo haría?
Bien, escucho toda clase de música. Pasé por una fase donde escuchaba mucha música bailable que venía de Londres hace unos cinco años porque realmente tenía curiosidad por saber por qué no había ninguna guitarra en nada de esta música. De modo que intenté hacer un álbum con música bailable con guitarra y me di cuenta de la manera más difícil que la guitarra simplemente no funciona en nada de esta música! ¡Pero me divertí intentando lograrlo! Me gusta el single de Green Day. En realidad compré el álbum. Me gusta mucho el rock, realmente aún escucho mucho rock. System of a Down, Rage Against the Machine, me gusta mucho Tom Morella. Hay muchas cosas estupendas allí fuera.
Me gusta muchísimo Muse. Ahora lo están haciendo realmente bien. Son un poco operísticos, con algo de influencia clásica. Suenan realmente británicos pero no están tratando de copiar a nadie. Así que es lindo escuchar una banda que permanece tan fiel a sus raíces. Que es lo que me gustaba de Thin Lizzie, siempre conservaban su herencia irlandesa. Tenían un norteamericano en la banda, un tío escocés, dos tíos irlandeses, y luego siempre subyacía esa cosa celta. La mayor parte de la música que amo viene de los blues, pero tienes que hacerlo a tu propia manera, si puedes.

Hablemos del equipo. Cuénteme sobre sus Gibsons.
Bueno hombre... (riéndose) ¿cuánto tiempo nos queda? Bien, las dos principales que tengo son dos Les Pauls de 1959. Una pertenecía a Peter Green, una guitarra muy famosa, que él utilizó en muchas de sus grabaciones. El hizo The Hard Road con John Mayall. Le vi cuando tenía 15 años en Belfast y me impactó muchísimo. Finalmente me la dejó algunos años más tarde cuando se marchó de Fletwood Mac. Tengo otra Les Pauls muy cercana a ésa. La de Peter Green se usó para interpretar música de Thin Lizzie y mucha otra música y la otra se utilizó en Still Got the Blues, y a partir de allí. Cada una tiene un sonido muy característico. La de Peter Green es mucho más difícil de tocar que la otra. Tengo mi propio modelo (ofrecida por Gibson desde 2001 a 2003), la que uso principalmente en mis apariciones en directo estos días y es una gran guitarra. Tiene lo mejor de lo viejo y de lo nuevo. Tiene el tono de las viejas y lo mejor de lo de las nuevas. Tiene lo mejor de los dos mundos. He grabado en vivo con ella. La he usado en giras y suena también espectacular.
Tengo una Les Paul SG del 61, como la que Eric Clapton solía emplear en Cream, tengo un par de esas Les Paul Uniors amarillas, simplemente las pequeñas de una sola pastilla. Tengo una Les Paul Jr. del 55, me la dio Steve Jones de los Sex Pistols. ¡No le pregunté dónde la consiguió (riéndose)! La dejó un día en mi apartamento y me preguntó si la quería comprar, así que lo hice a finales de los 70, y ha estado en Victims of the Future y cosas como ésa. Tengo una Double Cutaway Les Paul Jr. y una Melody Maker, y un par de las nuevas Double Cutaway Les Pauls. También tengo cinco Gibson Explorers.

¿Tiene una favorita?
Si se trata de eso, esas dos Les Pauls del 59 tienen que ser mis favoritas. Son especiales para mí por los momentos que he vivido con ellas. Esas serían las dos que destacarían.

¿Por qué quiso pastilla de mástil con bobinado inverso en su propio modelo Gibson?
Bueno, como en la Les Paul de Peter Green, Ud. puede ver cómo son las pastillas. La manera en que las dos pastillas interactúan, es la única guitarra que suena así. No sé lo que es - es algo distinto. He escuchado a otras personas intentar conseguir ese sonido... simplemente no es lo mismo.

Ud. tiene un nuevo álbum que se lanzó en EE.UU. en junio - The Power Of The Blues. ¿Qué es lo que más le gusta de este álbum?
El hecho de que simplemente se interpretó en vivo en el estudio. Es muy auténtico. En ese álbum también utilicé mi Gibson Explorer -una blanca, de las fabricadas en serie. Realmente se convirtió en una de mis favoritas para tocar en vivo ahora. Grabando ese álbum, éramos sólo tres tíos en un cuarto, ni siquiera separados por muros o cualquier cosa, y simplemente tocábamos juntos y produjimos el álbum de esa manera. Fue lindo porque mucha gente ya no hace eso.

¿Por qué escogió grabar la mayor parte de él en vivo el estudio?
Es la clase de música... cuando uno toca, simplemente es mejor no complicarlo mucho. Se le quita toda la personalidad. Estábamos tratando de hacer un álbum de blues con un toque de rock. Fue realmente bueno porque todos realmente se empujaban uno a otro. Teníamos a Bob en el bajo y yo no había trabajado con él desde los 80. Por cierto, está utilizando un bajo Gibson, por eso tiene ese viejo sonido distorsionado. De modo que Bob de alguna manera resucitó el EB-3 allí mismo. Fue divertido hacerlo y mantener la autenticidad de la música allí y no hacerla sonar demasiado pulida o perfecta.
Cuando hicimos "I Cant Quit You, Baby", lo hicimos en una sola toma. Simplemente tocamos, y no ensayamos o ninguna otra cosa, simplemente entramos y lo hicimos. Si no se tienen los intérpretes apropiados algunas veces no sale bien, pero esta vez salió. Teníamos la gente adecuada y fue sencillamente fresco y genial. Y realmente todos tienen que lograrlo en el primer par de tomas. Teníamos una regla, sólo tres tomas, de lo contrario lo dejábamos de lado y seguíamos adelante.

¿Qué es lo que le continúa inspirando musicalmente?
Oh, todo -el mundo, el universo, la gente que encuentro. Las cosas que veo, las cosas que leo en las noticias. Eso es realmente lo que me ha inspirado siempre. Siempre he escrito canciones acerca de cosas que han sucedido en mi vida o a la gente en mi vida, simplemente cosas que eran auténticas. Y musicalmente aspiro a ser un buen intérprete y a ser tan bueno como la gente a la que crecí escuchando y sólo tratar de desarrollarme de esa manera. Uno siempre está escuchando cosas nuevas, de todas partes. Uno simplemente puede encender la radio, y mi hijo toca la guitarra ahora y me hace escuchar mucho rock que viene de los Estados Unidos ahora. System of a Down y cosas como eso, de modo que entonces siento curiosidad acerca de distintos sonidos de guitarra y cosas como ésas. Uno puede aprender de otros estilos de música. La inspiración llega de cualquier parte.

¿Qué podemos esperar de Ud. en el futuro?
No tengo ni idea. Para ser sincero, simplemente sigo la música en lugar de arrastrarla a algún lugar donde no quiere ir. Cuando hice Still Got the Blues, en Alemania, estaba haciendo After the War, y era en 1989. Me encontré tocando blues cuando estaba solo, y Bob dijo, "Deberías hacer un álbum de blues." De modo que lo hice. Así que eso me enseñó una lección allí mismo -simplemente sigue tus instintos. No lo digo en un sentido comercial, simplemente como músico. Si uno sigue la música, siempre te llevará donde quieres ir, eso es lo que creo.

Link de referencia: http://www.ispmusica.com/articulo.asp?id=253

10/05/2012 MATERIAL INÉDITO DE CHUCK SCHULDINER ANTES DE DEATH

Posted: mayo 10, 2012 in UncategorizedEtiquetas: chuck schuldiner, death, death by metal, goetiametal, mantas
Etiquetas: chuck schuldiner, death, death by metal, goetiametal, mantas

Aqui es donde todo empezó. Por primera de manera oficial se editan las grabaciones de Mantas de manera conjunta (la banda de Chuck Schuldiner antes de Death). “Death by Metal” contiene el sonido crudo de todo un género que se creó en el sótano de Chuck en Florida hace tres décadas. Se trata de la primera vez que estas grabaciones salen a la luz de manera legítima desde su lanzamiento original en 1984 en la demo “Death by Metal”.

Saldrá a la venta el 19 de junio a través de Relapse Records, y contendrá las siguientes canciones:

01. Legion Of Doom (“Death By Metal” Demo Version 1)
02. Evil Dead (“Death By Metal” Demo Version 1)
03. Mantas (“Death By Metal” Demo Version 1)
04. Death By Metal (“Death By Metal” Demo Version 1)
05. Power Of Darkness (“Death By Metal” Demo Version 1)
06. Legion Of Doom (“Death By Metal” Demo Version 2)
07. Power Of Darkness (“Death By Metal” Demo Version 2)
08. Death By Metal (“Death By Metal” Demo Version 2)
09. Evil Dead (“Death By Metal” Demo Version 2)
10. Legion Of Doom (Rehearsal Early 1984)
11. Mantas (Rehearsal Early 1984)
12. Death By Metal (Rehearsal Early 1984)
13. Evil Dead (Rehearsal Early 1984)
14. Rise Of Satan (Rehearsal Early 1984)

Fuente: Blabbermouth

Link de referencia: http://goetianoticias.wordpress.com/2012/05/10/10052012-material-inedito-de-chuck-schuldiner-antes-de-death/

When Man and Machine Collide de Control Denied

When Man and Machine Collide de Control Denied

Mayo 12, 2010

El segundo disco de Control Denied, la banda fundada por el fallecido músico,Chuck Schuldiner, llegará este año a través del sello Relapse Records. El CD lleva por nombre When Man and Machine Collide y fue grabado hace una década con el productor Jim Morris. Por la muerte de Chuck, el material quedó inconcluso, aunque quedó grabado en su entereza. Además de esta gran noticia, toda la discografía de Death, así como los otros proyectos deSchuldiner, Mantas y Control Denied, serán reeditadosdigitalmente  el 11 de mayo, dos días antes del que hubiera sido el cumpleaños número 43 del guitarrista y compositor. Relapse Records también anuncia que habrá una versión expandida de The Fragile Art Of Existence, el primer larga duración de Control Denied, que incluirá temas extra, fotografía del conjunto, más arte, etc. Jane Schuldiner, madre de Chuck, habló previamente del segundo LP de Control Denied. “Lanzarlo no era el punto, editarlo y asegurarnos de la integridad del álbum fue y es lo más importante. Si no puedo hacerlo en la manera que Chuck lo pidió, no debería hacerse del todo. Esa era la pregunta, y ha sido contestada. Se hará, y exactamente como Chuck lo pidió. Sentiría total desánimo si ese disco no sale, sólo estuve ahí para ver la condición en la que Chuck estaba luchando para terminar lo que quería, y todo el tiempo de acuerdo a sus deseos, será hecho como lo pidió. Bueno, habrá un anuncio en cualquier momento por la disquera que fue elegida para ver esto completado.” Richard Christy, baterista que formó parte de Death y del debut de Control Denied, The Fragile Art of Existence (1999), afirmó anteriormente que éste año se culminaría ese LP para su salida.  NOTAS RELACIONADAS Reedición para The Fragile Art Of Existence de Death, para escucharse en su entereza Control Denied con una rareza para su escucha en línea Control Denied – Tracklist de reedición Tags: Death, Jim Morris, Mantas, Search And Destroy, Sergio Alvite, The Fragile Art Of Existence, When Man and Machine Collide Links de referencia http://searchndestroy.net/2010/05/12/when-man-and-machine-collide-de-control-denied-llegara-en-2010/

Musician´s Friends

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Las siete eras del Rock II PARTE

Las siete eras del Rock II PARTE

Fuente: BBC Foto: BDH 

My Generation

La emisión de este episodio en VH1 fue muy distinta al del emitido en la BBC, presentando diferentes artistas, entrevistas y canciones., así como el protagonista, cambiando a Jimi Hendrix por The Rolling Stones. Esto no ocurre en el resto de los episodios, en lo que las variaciones son mínimas.

Artistas, en orden de aparición
John Lee Hooker
Howlin' Wolf
The Rolling Stones
The Yardbirds
The Kinks
The Who
The Animals
Bob Dylan
Cream

En la década de 1960, la música de los adolescentes era dulce y sin alma, interpretada por artistas comerciales como Bobby Vintton y Bobby Vee. La música de cantantes de blues como John Lee Hooker, Muddy Waters y Howlin' Wolf era poderosa y rebelde, y había salido de la lucha de una forma habla a la clase obrera británica, cosa que no se interpretó en la América blanca.

En 1962 se forman The Rolling Stones y empiezan a tocar en el club Crawdaddy en Richmond. El blues con un toque británico resultó ser un éxito entre los adolescentes. Su espacio en el club Crawdaddy fue tomado por The Yardbirds, que trató de producir su propio sonido en el blues de la mano de su guitarrista Eric Clapton, considerado un Dios por algunos. Sin embargo se separó de The Yardbirds luego del éxito comercial, para convertirse en un músico de Blues en serio. The Rolling Stones comenzaron a escribir sus propias canciones, cargadas de arrogancia y sexo. Una nueva ola de bandas fue surgiendo en ese momento. The Kinks produjo un sonido áspero electrificado que sirvió para ampliar sus posibilidades musicales. Inspirados en ellos, The Who muestra una imagen compuesta de pop Art y rock rápido. En 1965, considerado el año cero del rock, The Who publica una canción que define la época, My Generation, considerada increíblemente innovadora, tanto por su sonido como por su mensaje rebelde. The Animals había abierto el camino a estas bandas con el regrabado de the House of Rising Sun, cuando apareció, luego de que Bob Dylan hiciera un cover de la canción desde la escena folk de Nueva York. Él se inspiró en estas nuevas bandas, tomando un sonido eléctrico con the Wild Thin Mercury sound of Rock Music, que añade sofisticadas letras al rock. De regreso en Gran Bretaña, Eric Clapton encuentra la libertad creativa en su propio grupo Cream, y eran mucho más calificados musicalmente que otros grupos del momento. Tomaron el lenguaje y el estilo de los blues que poseían interminables solos de guitarra. Su segundo álbum Disraeli Gears combinó el blues y la psicodelia llena de drogas, lo que muestra el potencial artístico del rock. Cuando The Who tocó en el festival de Monterrey, innovaron por la actuación en directo de la canalización de la agresión, tocando a alto volumen y destruyendo sus instrumentos. Esto estableció al festival como centro del rock y marcó el final de la inocencia que había traído el verano del amor. La gente estaba preocupada a causa de la guerra de Vietnam y el malestar social iba en aumento, por lo que después del Festival de Woodstock, el negocio empezó a descender. Este nuevo estado de ánimo se canalizó por The Rolling Stones utilizando esa oscuridad como nuevo celo creativo. Sin embargo, se hundieron en su propia oscuridad con la muerte de Brian Jones y el caos del festival de Altamont, donde la inocencia de los sesenta finalmente murió.Origen del Título: Canción de The Who, del álbum The Who Sings My Generation.

Art Rock. White Light, White Heat

Artistas, en orden de aparición
Pink Floyd
The Velvet Underground
David Bowie
Hype
Roxy Music
Genesis

En 1967, Pink Floyd publica la canción Arnold Layne, cuya historia habla del robo de ropa a un travesti. Esto introduce un nuevo concepto a la música pop, la psicodelia. Eso mismo hizo Andy Warhol en EE.UU. con The Velvet Underground; convertir sus presentaciones en vivo en espectáculos multimedia. Warhol tuvo la idea de proyectar películas sobre el fondo del escenario. El artista Peter Jenner hizo con Pink Floyd lo que Warhol había hecho con The Velvet Underground, ilustrando las canciones que estos componían, y luego proyectándolas detrás de la banda; lo que efectivamente fueron los primeros clips de música en la pantalla grande. Los shows eran cada vez más extraños, pero otros músicos siguieron la idea. David Bowie se inspiró en la rareza de The Velvet Underground y en la locura de Syd Barrett, miembro de Pink Floyd (como lo demuestra en Jugband Blues). Bowie creó un alter ego llamado Ziggy Stardust, lo cual le dio una excusa para vestirse en el escenario. Peter Gabriel, de Genesis, hizo algo parecido a lo de Bowie, solo que salió a escena vestido de zorro, sin que siquiera el resto de la banda supiera lo que iba a hacer. “Comparado con lo que llevaba Gabriel en el escenario, la ropa de Bowie parecía para una noche en el pub”.

Otra cosa nueva en la música era que se estaba experimentando con los sonidos. Roxy Music presentó un oboe al rock. Pink Floyd se preguntaba como sonaría un piano a través de un altavoz Leslie, lo que resultó en la introducción de Echoes, una pieza que duraba toda la cara B del álbum Meddle.

En el escenario, las canciones también podían durar mucho más que en los discos. Como los espectáculos eran cada vez más grandes y multitudinarios, Pink Floyd se sentía cada vez más alejado de la audiencia, y en señal de ‘protesta', colocaron en el escenario, ente ellos y el público, un gran muro que simulaba ser de enormes ladrillos, y usaban grandes títeres, durante la interpretación del disco The Wall. La interacción con el público así, era casi nula. Ese gran montaje solo pudo realizarse cuatro veces en vivo, pero marco el fin de otra edad del rock.

En este episodio, las canciones de The Velvet Underground que aparecen no son las mismas que están en la página Web de la BBC. Venus In Furs se sustituye por All Tomorrow's Parties.

Origen del Título: Canción de The Velvet Underground, del álbum White Light/White Heat

Link de Referencia:http://es.wikipedia.org/wiki/Seven_Ages_of_Rock